Blaue Tänzerinnen

Dieses um 1897 entstandene Werk gehört zur Spätphase von Degas' Karriere, die von einer fortschreitenden Erblindung geprägt war, die ihn zu einer beispiellosen gestischen Freiheit trieb. Das Thema ist nicht mehr der Auftritt auf der Bühne, sondern das "Dazwischen", der Moment der Spannung, in dem sich die Körper ordnen, bevor sie ins Licht treten. Die vier Tänzerinnen scheinen, obwohl sie verschieden sind, nur die aufeinanderfolgende Zerlegung einer einzigen Bewegung zu sein – eine quasi fotografische Studie von Torsion und Anmut unter Spannung. Die Verwendung von Blau ist nicht rein deskriptiv; sie wird zum Thema an sich. Degas entfernt sich vom klassischen Impressionismus, um eine Form des chromatischen Symbolismus zu erkunden, bei dem die Farbe den Raum sättigt. Man sieht nicht mehr nur junge Mädchen, sondern eine Harmonie kalter Töne, die durch die warmen Reflexe des rötlichen Haares betont werden, was einen packenden thermischen Kontrast erzeugt, der die Papieroberfläche belebt. Der soziale Kontext der "kleinen Ratten der Oper" zeigt sich in der Müdigkeit der Körper. Degas, ein unerbittlicher Beobachter, sucht nicht nach Idealisierung. Er fängt mechanische Gesten ein: Eine korrigiert ihren Träger, eine andere prüft ihren Schuh. Es ist diese triviale Menschlichkeit, vergrößert durch die Pracht der Farbe, die Degas' Stärke ausmacht. Er entkleidet den Mythos der Tänzerin, um nur die körperliche Mechanik und die plastische Emotion zu bewahren. Schließlich wird der Einfluss der Fotografie und japanischer Holzschnitte hier auf die Spitze getrieben. Der enge Bildausschnitt, der Gliedmaßen und Gesichter abschneidet, erzeugt ein Gefühl von Unmittelbarkeit und Voyeurismus. Der Betrachter wird ins Herz der Gruppe versetzt und teilt die bedrückende Intimität der Kulissen. Es ist dieser Bruch mit der traditionellen Perspektive, der Degas als einen der Väter der künstlerischen Moderne an der Jahrhundertwende etabliert.