Realismus1855
Das Atelier des Malers
Gustave Courbet
Das Auge des Kurators
"Dieses 1855 gemalte Bild teilt Courbets Welt in zwei Kategorien: links diejenigen, die von Tod und Ausbeutung leben; rechts Freunde und Intellektuelle. In der Mitte behauptet sich der Künstler als souveräner Vermittler dieser Gesellschaft."
Dieses monumentale Werk Courbets, ein wahres Manifest des Realismus, definiert sich als „reale Allegorie“. Der Künstler inszeniert darin sein eigenes soziales, politisches und künstlerisches Leben in einem Format der Historienmalerei.
Analyse
„Das Atelier des Malers“ stellt einen radikalen Wendepunkt in der westlichen Kunstgeschichte dar. Mit dem Untertitel „Eine reale Allegorie, die eine Phase von sieben Jahren meines künstlerischen und moralischen Lebens zusammenfasst“, verschmilzt Courbet zwei bisher gegensätzliche Konzepte: die Allegorie, den Bereich der Abstraktion, und den Realismus, den Bereich der nackten Wahrheit. Diese fast sechs Meter breite Leinwand lehnt die akademischen Codes ab, um die Figur des Künstlers als Gravitationszentrum der modernen Welt zu etablieren. Courbet malt keine Genreszene, sondern eine philosophische Bilanz seiner Existenz und seiner Verpflichtungen.
Das Gemälde fungiert als Welttheater. Auf der linken Seite befindet sich „die andere Welt“, die des trivialen Lebens, des Elends, des ausgebeuteten Reichtums und repräsentativer sozialer Typen (der Priester, der Wilderer, der Händler). Courbet behandelt sie mit einer fast religiösen Ernsthaftigkeit und unterstreicht die Trägheit und Melancholie dieser sozialen Schicht. Im Gegensatz dazu versammelt die rechte Seite die „Aktionäre“, d. h. die intellektuelle und künstlerische Elite, die Courbet unterstützt, darunter Baudelaire, Proudhon und sein Mäzen Bruyas. Zwischen diesen beiden Sphären malt der Künstler und kehrt dem nackten Modell, dem Symbol der ungeschminkten Wahrheit, den Rücken zu.
Courbets malerische Ausführung zeugt von einer ungeheuren materiellen Kraft. Indem er das Palettenmesser verwendet, um die Farbe zu zerdrücken, verleiht er dem Gemälde eine erdige und dichte Textur. Die dunklen und bituminösen Hintergründe erinnern an die spanischen und holländischen Meister, aber das Licht, das die Mitte der Leinwand trifft, ist entschieden modern. Diese Dichte der Malerei verkörpert Courbets Willen, Kunst „greifbar“ zu machen. Für ihn darf Malerei nicht nur repräsentieren, sie muss physisch mit der Kraft der Natur selbst existieren.
Schließlich ist das Werk ein Akt des politischen Trotzes. Nachdem es von der Weltausstellung 1855 abgelehnt worden war, bildete es das Herzstück des „Pavillon des Realismus“, den Courbet auf eigene Kosten errichten ließ. Es war das erste Mal, dass ein Künstler eine private Ausstellung gegen die offizielle Institution organisierte. Das Atelier ist also nicht nur ein Bild, es ist ein Denkmal der schöpferischen Unabhängigkeit. Es nimmt die Autonomie der modernen Kunst und die Geburt der Avantgarde vorweg, in der der Künstler zum eigenen Richter über seinen Wert und seine Botschaft wird.
Das Gemälde ist voller kodierter Botschaften und versteckter Kritiken. Auf der linken Seite ähnelt die Figur des Wilderers, der mit seinen Hunden im Vordergrund sitzt, seltsamerweise Napoleon III. – eine scharfe Kritik an dem Kaiser, den Courbet hasste. Die im Hintergrund angenagelte Gliederpuppe in einer Pose eines Märtyrers oder Gekreuzigten stellt die sterbende akademische Kunst dar, eine Verhöhnung der starren Modelle, die an der École des Beaux-Arts gelehrt wurden. Es ist eine Todeserklärung an die neoklassizistische Tradition.
Ein technisches Geheimnis liegt in der Anwesenheit von Baudelaire ganz rechts. Wenn man genau hinsieht, erkennt man an seiner Seite die gelöschte Silhouette seiner Geliebten Jeanne Duval. Baudelaire hatte Courbet gebeten, sie verschwinden zu lassen, aber im Laufe der Zeit und durch die Abnutzung der Farbschicht ist der „Geist“ von Jeanne wieder aufgetaucht. Dies schuf eine mysteriöse Präsenz, die der Künstler nicht vollständig entfernt, sondern lediglich mit einer Lasur überdeckt hatte.
Die Nacktheit des zentralen Modells ist ebenfalls interpretierbar. Sie ist keine idealisierte Muse, sondern eine Darstellung der Wahrheit. Courbet besteht darauf, dass sie seine Arbeit beobachtet, während er eine Landschaft der Franche-Comté malt. Die Tatsache, dass er eine Landschaft innerhalb seines Ateliers malt, unterstreicht, dass Malerei ein Akt des Gedächtnisses und des Intellekts ist und keine bloße Kopie der Natur. Die Wahrheit ist hier eine Arbeitsgefährtin, keine ferne Gottheit.
Schließlich symbolisiert das Kind, das den Maler in der Mitte der Leinwand bewundernd ansieht, das „unschuldige Auge“. Courbet behauptete, er wolle ohne Vorurteile malen, wie ein Kind, das die Welt zum ersten Mal entdeckt. Dieses Kind ist für Courbet der einzige legitime Betrachter, da es noch nicht von sozialen oder akademischen Konventionen korrumpiert ist. Es ist ein Geheimnis über die Methode des Realismus selbst: Verlernen, um besser zu sehen.
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