Rokoko1720
Das Ladenschild des Kunsthändlers Gersaint
Antoine Watteau
Das Auge des Kurators
"In nur acht Tagen geschaffen, fungiert das Werk als Manifest des Rokoko-Geschmacks und ersetzt monarchischen Prunk durch weltliche Konversation und ästhetische Betrachtung."
Watteaus letztes Meisterwerk, dieses monumentale Ladenschild, fängt den Übergang vom Zeitalter Ludwigs XIV. zur Eleganz des 18. Jahrhunderts in einem Pariser Kunstgeschäft ein.
Analyse
Dieses 1720 gemalte Werk war als tatsächliches Ladenschild für das Geschäft des Kunsthändlers Edme-François Gersaint auf dem Pont Notre-Dame bestimmt. Der bereits von Tuberkulose gezeichnete Watteau liefert hier eine tiefgründige Reflexion über das Vergehen der Zeit und die Entwicklung der Stile. Die symbolträchtigste Geste findet sich auf der linken Seite, wo Arbeiter ein Porträt Ludwigs XIV. in eine Kiste packen. Dieses Porträt steht für das Ende einer Ära des absolutistischen Rigorismus und den Beginn der Régence, die leichter und den Freuden des Geistes und der Sinne zugewandt war.
Das Werk zeigt nicht nur einen Laden; es inszeniert eine "Gesellschaft der Kunst". Die Figuren in schimmernder Seide mit perlmuttartigen Reflexen — mit der berühmten "Watteaufalte" — sind Kenner, die in eine soziale Choreografie eingebunden sind. Gersaints Laden wird zum Theater, in dem wir die Werke ebenso beobachten wie die Betrachter selbst. Diese Mise-en-abyme des Sehens ist zentral für Watteaus Schaffen, der sich hier für die taktile und visuelle Beziehung der Aristokratie zu Luxusobjekten interessiert.
Die Analyse der an der Wand hängenden Bilder offenbart immense Gelehrsamkeit. Watteau malt keine existierenden Werke wortwörtlich, sondern pastosiert die Stile der großen Meister, die er bewundert: die venezianischen Farben von Tizian und Veronese, die Kompositionen von Rubens und flämisches Chiaroscuro. Jede Wand des Ladens ist eine komprimierte Lektion in Kunstgeschichte, die bekräftigt, dass der moderne Geschmack aus der Tradition schöpft, sie aber für einen intimeren Rahmen neu interpretiert.
Schließlich thematisiert das Bild subtil den Mythos der Vanitas. Obwohl die Szene weltlich und leicht erscheint, erinnern die Kisten, das Verpackungsstroh und der Spiegel, den ein Paar prüft, daran, dass Schönheit und Kunst so zerbrechlich sind wie das Leben. Watteau, der um seinen nahenden Tod wusste, verleiht dieser kommerziellen Szene eine unterschwellige Melancholie. Die Kunst ist das einzige Überbleibsel, das Könige und Maler überdauern kann, aber sie bleibt den Launen des Marktes unterworfen.
Das faszinierendste Geheimnis dieses Werks ist seine ursprüngliche physische Form. Obwohl es heute als einheitliches rechteckiges Bild erscheint, bestand es ursprünglich aus zwei separaten Paneelen, deren oberer Teil gewölbt war, um in den Bogen von Gersaints Laden zu passen. Erst später wurden die oberen Ecken hinzugefügt und die beiden Teile vereint, um die horizontale Komposition zu schaffen, die wir heute in Berlin bewundern.
Ein weiteres Geheimnis liegt in der Identität der Personen. Der Händler Gersaint selbst ist in der Mitte dargestellt und präsentiert einer Kundin ein Bild. Forschungen legen jedoch nahe, dass Watteau Porträts seiner engen Freunde und Gönner in die Menge integriert hat und so einen kommerziellen Auftrag in eine private Hommage verwandelte. Die Frau von hinten, deren Seidenkleid der leuchtende Mittelpunkt des Bildes ist, gilt als einer der Höhepunkte der Maltechnik des 18. Jahrhunderts.
Das eingekistete Porträt Ludwigs XIV. ist nicht nur eine politische Metapher, sondern ein visuelles Wortspiel. Der Name von Gersaints Laden war "Le Grand Monarque". Indem er den "Großen Monarchen" in eine Kiste packt, verkündet Watteau buchstäblich den Kurswechsel des Hauses und betont, dass Hofkunst nun ein Gebrauchtwarenartikel gegenüber der neuen galanten Malerei ist. Es war eine unglaubliche Kühnheit für einen Maler dieser Zeit, das königliche Bild so respektlos zu behandeln.
Schließlich haben Röntgenaufnahmen ergeben, dass Watteau das Ladenschild ohne komplexe Vorzeichnungen direkt auf die Leinwand malte — ein Beweis für seine absolute technische Meisterschaft trotz schwindender Kräfte. Es wurden signifikante Pentimenti entdeckt, insbesondere bei der Position des Hundes im Vordergrund und bei der Justierung der Wandrahmen, was zeigt, dass der Künstler "aus dem Leben heraus" komponierte, um die Unmittelbarkeit des Pariser Lebens einzufangen.
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