Das Orchester der Oper

Die tiefe Analyse dieses Gemäldes offenbart Degas' Besessenheit von der Moderne und seinen Willen, mit akademischen Konventionen zu brechen. Um 1870 gemalt, ist dieses Bild nicht nur eine Genreszene, sondern eine psychologische Studie des Pariser Stadtlebens. Degas lehnt das gestellte Porträt zugunsten der Momentaufnahme ab. Der Stil ist geprägt von einer fast fotografischen Präzision in der Darstellung der Instrumente und Gesichter, die mit der suggestiven Unschärfe des Bühnenbilds kontrastiert. Der historische Kontext ist der der Opéra Le Peletier, bevor sie durch ein Feuer zerstört wurde. Degas, ein Kenner der Kulissen, versucht, die "Rückseite der Kulissen" einzufangen. Es handelt sich nicht um ein vollständiges Orchester, sondern um eine geschickte Montage von Porträts. Degas' Technik mit dünnen, aber dichten Farbschichten ermöglicht es, die Textur des Holzes der Instrumente und den Glanz der schwarzen Smokings wiederzugeben. Das Licht kommt von der Bühne und erzeugt invertierte Reflexionen auf Stirnen. Auf mythologischer und symbolischer Ebene evoziert das Werk, obwohl es realistisch ist, einen modernen Abstieg in die Unterwelt. Der Graben ist ein unterirdischer Raum, dunkel und überfüllt, in dem die Musiker als Arbeiter der Kunst durch ihre Anstrengung die himmlische Welt der Tänzerinnen stützen. Es ist eine Reflexion über die Hierarchie der Künste und Geschlechter im 19. Jahrhundert. Die Psychologie des Werks liegt in der Isolation jedes Musikers trotz physischer Nähe. Schließlich markiert dieses Werk den wachsenden Einfluss japanischer Holzschnitte auf Degas. Der kühne Bildausschnitt, bei dem Objekte an den Rändern scharf abgeschnitten sind, erzeugt das Gefühl einer Raumerweiterung über den Rahmen hinaus. Dies zwingt den Betrachter, in den Graben einzutauchen und die Enge des Orchesters zu teilen. Degas verwandelt einen freundschaftlichen Auftrag in ein ästhetisches Manifest über die fragmentierte Sicht der modernen Welt.