Rokoko1740
Das Tischgebet
Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Das Auge des Kurators
"Eine aufmerksame Mutter beaufsichtigt ihre beiden Töchter beim Tischgebet vor dem Essen. Das Dekor ist schlicht, geprägt von häuslichen Objekten."
Dieses Werk, die Quintessenz der französischen Genremalerei des 18. Jahrhunderts, feiert die häusliche Frömmigkeit und die Würde des Alltags durch eine visuelle Stille.
Analyse
Das 1740 im Salon präsentierte Werk "Das Tischgebet" markiert den Höhepunkt von Chardins Bestreben, das Leben des Pariser Kleinbürgertums zu veredeln. In einer Zeit, in der die Historienmalerei dominierte, setzte Chardin eine Vision durch, in der Moral durch das Unscheinbare vermittelt wird. Das Werk steht in einer Strömung der Rückkehr zu Familienwerten, wie sie von Diderot gefordert wurde. Hier entfernt sich der Maler von den Rokoko-Frivolitäten seiner Zeitgenossen, um eine Form von Beständigkeit und menschlicher Wahrheit zu suchen.
Die Geschichte beruht auf der religiösen Praxis des "Bénédicité", dem Segensgebet vor dem Essen. Chardin erhebt diese Szene gewöhnlicher Frömmigkeit in den Rang einer moralischen Ikone. Es geht um die Weitergabe von Werten: Die Mutter lehrt ihre Kinder Dankbarkeit und Geduld. Es ist eine "Mythologie des Alltags", in der jede Geste heilig wird. Das kleine Mädchen verkörpert die Unschuld in der Ausbildung, während die Mutter die wohlwollende Wachsamkeit verkörpert und eine Brücke zwischen dem Zeitlichen und dem Spirituellen schlägt.
Technisch verwendet Chardin eine Palette von gebrochenen Tönen, dominiert von milchigem Weiß und warmen Brauntönen. Seine "Mauerwerk"-Technik der Malerei, bei der Schichten übereinandergelegt werden, um Objekten Materie zu verleihen, ist einzigartig. Er sucht nicht die Feinheit des Strichs, sondern die Dichte der Präsenz. Die Wiedergabe des Leinens und die Textur der Terrakotta zeigen eine fast tastbare Aufmerksamkeit. Das Licht scheint aus der Materie selbst zu emmanieren und schafft eine Atmosphäre innegehaltener Andacht.
Psychologisch erforscht das Werk die kindliche Bindung. Der Blick der Mutter auf ihre jüngere Tochter ist kein Urteil, sondern eine Begleitung. Es herrscht eine Psychologie der Pause: Die Zeit hält an, um Raum für Gedanken zu lassen. Chardin fängt die Verletzlichkeit der Kindheit und die stille Kraft der Erziehung ein. Es ist ein Werk, das ebenso beruhigt wie es unser Verhältnis zu Zeit hinterfragt. Der Betrachter ist ein Zeuge, der an den Tisch der Tugend eingeladen ist, wo physische und spirituelle Nahrung gleichgestellt sind.
Eines der am besten gehüteten Geheimnisse betrifft die Varianten des Werks. Chardin malte mehrere Versionen. Die Louvre-Version enthält ein Detail, das andere nicht haben: einen Schaumlöffel und einen Fischschwanz im Vordergrund. Röntgenanalysen haben ergeben, dass Chardin seine Kompositionen ständig überarbeitete und manchmal einen Becher um Millimeter verschob. Er zeichnete nicht; er malte direkt auf die Leinwand und "knetete" die Form, bis sie stimmte.
Wissenschaftlich zeigt die Alterung der Pigmente, dass Chardin komplexe Bindemittel verwendete, um dieses matte Aussehen zu erzielen. Das Geheimnis liegt auch in der Identität der Modelle: Obwohl man annimmt, dass es sich um seine Familie handelt, behandelt Chardin sie mit einer solchen Universalität, dass sie zu Archetypen des 18. Jahrhunderts werden. Die Farben haben über die Jahrhunderte eine bemerkenswerte Stabilität bewahrt, was auf Chardins tiefes Wissen über die Chemie der Pigmente hinweist.
Darüber hinaus hat die wissenschaftliche Analyse die Verwendung von "Pentimenti" an der Haube der Mutter hervorgehoben. Chardin änderte die Neigung des Kopfes, um die visuelle Verbindung zum Kind zu verstärken. Dieses Bild diente auch als indirektes moralisches Propagandawerkzeug und beeinflusste Maler wie Greuze oder später Manet. Die Stille, die von der Leinwand ausgeht, ist das Ergebnis einer akribischen technischen Konstruktion, bei der jedes Pigment so dosiert ist, dass es den Lärm absorbiert.
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