Impressionismus1863
Strandszene in Trouville
Eugène Boudin
Das Auge des Kurators
"Der Pinselstrich ist lebhaft und fragmentiert und kündigt die impressionistische Revolution an. Beachten Sie, wie die Silhouetten der gehobenen Gesellschaft, obwohl sie nur als einfache Farbflecken behandelt werden, durch die Genauigkeit der Töne eine sofortige soziale Distinktion bewahren."
Ein visuelles Manifest der Geburtsstunde des modernen Urlaubs, in dem der normannische Himmel zum eigentlichen Protagonisten wird. Eugène Boudin fängt die flüchtige Eleganz des Bürgertums des Zweiten Kaiserreichs vor der bewegten Unermesslichkeit des Ärmelkanals ein.
Analyse
Eugène Boudin, den Corot den "König der Himmel" nannte, liefert hier ein wegweisendes Werk, das mit der akademischen Tradition der Landschaftsmalerei bricht. Wir befinden uns nicht mehr in der Feier der wilden oder biblischen Natur, sondern in einer fast soziologischen Beobachtung des aufkommenden Küstentourismus. Unter dem Zweiten Kaiserreich wurde Trouville zum Treffpunkt der Pariser Aristokratie, und Boudin fängt diesen Übergang ein, in dem der Strand aufhört, ein Ort der Arbeit für Fischer zu sein, und zu einem gesellschaftlichen Salon unter freiem Himmel wird.
Die eingehende Analyse offenbart eine ungeheure Meisterschaft des atmosphärischen Lichts. Boudin malt keine Objekte; er malt die Luft, die zwischen ihnen zirkuliert. Die Krinolinen der Damen und die Gehröcke der Herren werden mit der gleichen Aufmerksamkeit behandelt wie die Wolken, was die menschliche Nichtigkeit angesichts der ewigen Zyklen der Gezeiten unterstreicht. Die niedrige Horizontlinie räumt dem Himmel zwei Drittel des Raumes ein – eine boudinsche Handschrift, die den Blick zwingt, sich zu heben und die salzige Feuchtigkeit der normannischen Luft zu spüren.
Diese Leinwand ist auch eine Hommage an die Moderne. Zu dieser Zeit hatte das Konzept der "Achtsamkeit" für den gegenwärtigen Moment noch keinen Namen, aber Boudin wandte es mit seinem Pinsel an. Er lehnte das glatte Finish der offiziellen Salons zugunsten des reinen visuellen Eindrucks ab. Damit wurde er zum unverzichtbaren Mentor des jungen Claude Monet, dem er beibrachte, wie wichtig es ist, "en plein air" zu malen, direkt unter dem Himmel, um die Wahrheit einer bestimmten Stunde zu erfassen.
Der soziopolitische Aspekt ist ebenso faszinierend. Boudin, ein Seemannssohn, betrachtet diese "exotischen Vögel" – die reichen Sommergäste – mit wohlwollender, aber distanzierter Neugier. Er dokumentiert eine soziale Schicht, die sich zum ersten Mal der Sonne und dem Wind aussetzt und dabei ihre strengen Kleidungsvorschriften beibehält. Der Strand wird zu einem Theater, auf dem die Inszenierung des napoleonischen gesellschaftlichen Erfolgs vor einem Himmel stattfindet, der bereit scheint, sie davonzutragen.
Schließlich erkundet das Werk den Dialog zwischen dem Vollendeten und dem Unvollendeten. Für Boudins Zeitgenossen schienen diese Gemälde einfache Skizzen zu sein. Heute sehen wir in ihnen eine Befreiung der Form. Das Meer in der Ferne ist nur ein Band in subtilem Blau-Grau, aber es enthält die ganze Kraft des Ozeans. Es ist eine Malerei der Empfindung, in der das Rauschen des Windes in den Zelten und das Rascheln der Stoffe fast hörbar sind.
Das größte Geheimnis dieser Leinwand liegt in ihrem Format und ihrer ursprünglichen Funktion. Obwohl sie heute in den größten Museen der Welt ausgestellt sind, wurden diese Strandszenen von Boudin als schnelle "Brotarbeit" wahrgenommen. Er nannte sie seine "kleinen Marionetten". Er war manchmal frustriert darüber, dass das Publikum seine gesellschaftlichen Szenen seinen reinen Meeresstudien vorzog, die er künstlerisch für überlegen und aufrichtiger hielt.
Ein technisches Geheimnis betrifft die Verwendung von Pigmenten. Boudin war einer der ersten, die massiv die kürzlich erfundenen Tubenfarben verwendeten, was ihm eine totale Mobilität am Strand ermöglichte. Infrarotanalysen haben ergeben, dass er unter der scheinbaren Spontaneität seiner Himmel oft eine graue oder rosafarbene Grundierung auftrug, um den Wolken diese einzigartige perlmuttartige Tiefe zu verleihen – eine Technik, die er von holländischen Meistern wie Ruysdael übernommen hatte.
Es gibt ein verstecktes Detail bezüglich der Figuren. Boudin malte oft dieselben Silhouetten von einer Leinwand zur nächsten und schuf so eine Art Repertoire an "Figuren", die er je nach kompositorischem Bedarf verschob. Einige Kunsthistoriker haben in dieser Menge Mitglieder von Boudins eigener Großfamilie oder enge Freunde identifiziert, die als elegante Bürger verkleidet waren, um seine Landschaften zu bevölkern und sie für Käufer attraktiver zu machen.
Ein weiteres Geheimnis liegt in Boudins Verhältnis zur Fotografie. Obwohl er die Arbeit nach der Natur befürwortete, ließ er sich von frühen Strandfotografien inspirieren, um die Zerlegung der Wellenbewegung und die Haltung der Massen zu verstehen. Er kritisierte die Fotografie jedoch wegen ihrer Unfähigkeit, die Farbe des Windes wiederzugeben. Für ihn musste die Malerei die "Kälte" der Kamera korrigieren, indem sie atmosphärische Poesie injizierte.
Schließlich wissen nur wenige, dass Boudin diesen Stil fast aufgegeben hätte. Von einigen wegen mangelnder "Adeligkeit" kritisiert, wurde er von Baudelaire unterstützt. Der Dichter schrieb, nachdem er Boudins Himmelstudien gesehen hatte, erhabene Seiten über diese "meteorologischen Schönheiten". Es war diese intellektuelle Anerkennung, die Boudin den Mut gab, seinen Weg beharrlich weiterzugehen und so das zu retten, was zur DNA des Impressionismus werden sollte.
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Welchen bedeutenden ikonografischen Bruch vollzieht Boudin in seinen Strandszenen von 1863 über den meteorologischen Aspekt hinaus im Vergleich zur Tradition der Marinemalerei?
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