Raffael: Die göttliche Synthese und die Schule von Athen
Wir befinden uns nun im Herzen des 16. Jahrhunderts, in den ersten Jahren des Pontifikats von Julius II. In Rom erlebt die Kunstwelt einen Moment absoluter Anmut, ein Fenster der Zeitlosigkeit, das Historiker als «Hochrenaissance» bezeichnen. War Leonardo der ruhelose Geist, der Wissenschaftler mit unvollendeten Forschungen, und war Michelangelo die rohe Kraft, die gequälte Seele, die den Kampf des Geistes gegen die Materie meißelte, so sollte Raffael Sanzio das Genie der höchsten Synthese werden. Sein einzigartiges Talent, das seinen Zeitgenossen fast übernatürlich erschien, lag in seiner Fähigkeit, die revolutionären Entdeckungen seiner beiden Rivalen aufzusaugen und sie auf eine Ebene des Gleichgewichts, der Klarheit und der Gelassenheit zu heben, die nie zuvor erreicht wurde. Wo Michelangelo den menschlichen Körper als dramatische Spannung sah, sah Raffael ihn als fließende Anmut. Wo Leonardo die Geheimnisse des Schattens erforschte, entfaltete Raffael ein geordnetes Licht, das die Welt fassbar und göttlich machte.
«Die Schule von Athen» ist weit mehr als ein monumentales Fresko: Sie ist das visuelle Manifest des triumphierenden Humanismus. Raffael gelingt hier das unmögliche Gleichgewicht: die mathematische Strenge der florentinischen Perspektive und die skulpturale physische Präsenz römischer Körper in einer imaginären Architektur zu vereinen, die mit antiker Noblesse zu atmen scheint.
Die Schule von Athen (Vatikan): Die perfekte Synthese der Renaissance. Beachten Sie, wie Bramantes grandiose Architektur als Rahmen für die Versammlung der größten Geister der Antike und des 16. Jahrhunderts dient.
Beobachten Sie die meisterhafte Struktur dieses Werks. Raffael nutzt eine architektonische Perspektive, die so tief und exakt ist, dass sie die reale Wand zu durchbrechen scheint, um den Raum zu verlängern, in dem der Betrachter steht. Im Zentrum dieses gewaltigen Kirchenschiffs stehen die beiden Säulen des westlichen Denkens: Platon und Aristoteles. Die Geste eines jeden fasst ein Leben der Philosophie zusammen: Platon zeigt mit dem Finger gen Himmel (die Welt der Ideen, das Immaterielle), während Aristote seine Hand zum Boden streckt (die Beobachtung der Sinnenwelt, die irdische Ethik). Die intellektuelle Dichte ist so groß, dass Raffael diesen Weisen die Züge seiner Zeitgenossen verleiht: Platon trägt das Gesicht von Leonardo da Vinci, während der melancholische Heraklit im Vordergrund die Züge von Michelangelo leiht. Es ist eine totale Versöhnung zwischen Metaphysik, Wissenschaft und Kunst, die die Malerei in eine visuelle Musik verwandelt, in der jede Figurengruppe mit organischer Fluidität zirkuliert.
Parallel zu seinen monumentalen Kompositionen erreicht Raffael in seinen intimeren Werken die Perfektion. In der «Madonna im Grünen» gelingt es ihm, das Dilemma zu lösen, das die Maler seit einem Jahrhundert beschäftigte: Wie lassen sich Figuren auf natürliche Weise verbinden und gleichzeitig eine perfekte geometrische Struktur bewahren? Er nutzt hier die von Leonardo geerbte pyramidale Komposition, befreit sie jedoch von Unruhe und dunklem Mysterium. Die Figuren (Maria, das Jesuskind und Johannes der Täufer) sind in ein stabiles Dreieck eingeschrieben, das dem Betrachter ein sofortiges Gefühl des Friedens vermittelt. Die Landschaft im Hintergrund nutzt die von Vinci gelernte atmosphärische Perspektive, jedoch mit einer leuchtenden Klarheit, die die Natur wohlwollend und heiter erscheinen lässt.
Die Madonna im Grünen: Das souveräne Gleichgewicht. Die pyramidale Struktur sorgt für Stabilität, während die Sanftheit der Gesichter die für Raffaels Stil charakteristische 'Anmut' verkörpert.
Um Raffaels Perfektion zu verstehen, muss man den Begriff der «Sprezzatura» begreifen: die höchste Kunst, die Anstrengung zu verbergen und technische Vollendung als etwas Natürliches und Spontanes erscheinen zu lassen. Bei ihm ist die Linie von absoluter Reinheit und umhüllt das Fleisch mit göttlicher Zärtlichkeit, ohne jemals starr zu wirken. Indem er dieses wunderbare Gleichgewicht zwischen Form, Inhalt und Emotion erreichte, schloss Raffael jedoch eine Tür hinter sich: Er führte die Sprache der Renaissance zu einem solchen Punkt der Vollendung, dass es unmöglich schien, es 'besser' zu machen. Er schuf einen Kanon der Schönheit, der über drei Jahrhunderte lang die absolute Referenz für Kunstakademien bleiben sollte und für den Westen definierte, was das 'Ideale Schöne' ist.
Die Natur schenkte ihn der Welt und stattete ihn mit all jener Bescheidenheit und Güte aus, die man manchmal bei jenen sieht, die mehr als andere eine gewisse Noblesse der Menschlichkeit besitzen, die sich im Glanz eines Temperaments voller Anmut und göttlicher Harmonie ausdrückt.
Diese Perfektion markiert paradoxerweise das Ende eines Zyklus. Mit Raffaels vorzeitigem Tod im Alter von nur 37 Jahren tritt die Kunst in eine Phase des Zweifels ein. Seine Nachfolger, im Bewusstsein, dass sie dieses solare Gleichgewicht niemals übertreffen können, werden sich entscheiden, es bewusst zu brechen. Sie werden Proportionen dehnen, Perspektiven verdrehen und saure Farben verwenden, um eine neue Angst und eine gesteigerte Subjektivität auszudrücken. Dies wird die Geburt des Manierismus sein. Doch bevor dieses Gebäude der Vernunft wankt, müssen wir noch Ihre Kenntnisse über diese goldene Ära validieren, in der der Mensch für einige Jahrzehnte zwischen Florenz und Rom glaubte, durch die bloße Kraft seiner Vernunft und seines Pinsels die Ewigkeit und die göttliche Vollkommenheit berühren zu können.