Postimpresionismo1892
En el Moulin Rouge
Henri de Toulouse-Lautrec
El ojo del conservador
"El aspecto más impactante es el rostro de May Milton en primer plano a la derecha, iluminado desde abajo por una luz verde espectral que evoca los efectos de la iluminación de gas y la alienación de la fiesta."
Una inmersión cruda en el corazón de la vida nocturna parisina, esta obra maestra postimpresionista captura la atmósfera deletérea y fascinante del célebre cabaret de Montmartre. Toulouse-Lautrec retrata a sus amigos y a sí mismo con una mezcla de melancolía e ironía mordaz.
Análisis
Al Moulin Rouge es mucho más que una simple escena de género; es un retrato de grupo psicológico donde cada figura parece encerrada en su propia soledad a pesar de la promiscuidad del lugar. En el centro, alrededor de una mesa, reconocemos a los habituales del círculo de Lautrec: el escritor Édouard Dujardin, la bailarina La Macarona, y los fotógrafos Paul Sescau y Maurice Guibert. Sus rostros, marcados por el cansancio, contrastan con el supuesto bullicio del cabaret, subrayando el lado oculto y a menudo lúgubre de los placeres parisinos de la Belle Époque.
El artista utiliza una paleta de colores audaz y ácida, típica de su ruptura con el impresionismo clásico. El verde eléctrico que recorre el rostro de la mujer en primer plano y los reflejos anaranjados de la madera crean una atmósfera artificial y asfixiante. Esta luz no es natural; simboliza la electricidad y el gas que transforman los cuerpos y los rostros al caer la noche, otorgando a los fiesteros un aspecto de máscaras trágicas o fantasmas.
La obra funciona como un testimonio sociológico sobre Montmartre, un barrio entonces en plena mutación. Al incluir personajes reales e identificables, Lautrec documenta la "bohemia" no como un ideal romántico, sino como una realidad tangible hecha de encuentros efímeros y melancolía compartida. El cuadro captura ese instante preciso en que la fiesta se convierte en aburrimiento, una temática querida por el artista que frecuentaba diariamente estos establecimientos para escapar de su propia condición física y social.
La influencia de las estampas japonesas (ukiyo-e) es manifiesta en el tratamiento de las formas y la audacia de los encuadres. Lautrec simplifica las siluetas y utiliza líneas de contorno marcadas para destacar a los personajes del fondo. Esta estilización, combinada con un toque pictórico rápido y a veces nervioso, dota al cuadro de una energía vibrante. El espacio parece cerrarse sobre los espectadores, invitándonos a tomar asiento en esta mesa de marginados magníficos.
Uno de los secretos mejor guardados del cuadro es que fue modificado físicamente por el artista o su marchante después de su creación inicial. Originalmente, el cuadro era más pequeño y terminaba justo después de la mesa central. Toulouse-Lautrec añadió después una banda de lienzo en forma de "L" en el lado derecho y en la parte inferior para incluir la imponente figura de May Milton. Esta modificación cambió radicalmente la dinámica del cuadro, creando esa sensación de inmersión brutal y de malestar que hoy lo hace célebre.
Otro secreto reside en el autorretrato oculto del artista. Si se observa atentamente el fondo, se distingue una figura corta caminando junto a un hombre de gran estatura. Se trata del propio Toulouse-Lautrec, acompañado de su primo, el doctor Gabriel Tapié de Céleyran. Es una forma del artista de incluirse en su propio universo sin ser el centro, subrayando su posición de observador permanente y actor discreto de la noche montmartresa.
La mujer de rostro verde, May Milton, era una bailarina inglesa por cuya fealdad expresiva Lautrec estaba fascinado, según sus propias palabras. Lo secreto aquí es la elección deliberada de Lautrec de colocarla en primer plano para escandalizar al espectador. En 1892, presentar un rostro así "desfigurado" por una luz artificial verde era un insulto a los cánones de belleza académicos. Fue un acto de pura rebelión artística destinado a mostrar la verdad desnuda bajo el maquillaje.
Existe también un vínculo secreto con la bailarina Jane Avril, a quien se ve de espaldas al fondo, arreglándose el pelo frente a un espejo. Aunque era una de las estrellas del Moulin Rouge, Lautrec elige representarla de manera anónima y cotidiana. Este contraste entre su celebridad pública y esta pose privada refuerza la idea de que el cuadro explora el trasfondo, la realidad humana detrás del espectáculo de los carteles publicitarios que Lautrec creaba por otro lado.
Finalmente, la técnica utilizada esconde un secreto de fabricación: Lautrec pintaba a menudo "à l'essence", es decir, diluyendo sus colores al óleo con trementina sobre cartón o lienzo poco preparado. Esto permitía ese acabado mate y esos ligeros chorretones que se observan en los bordes del cuadro, dando a la obra el aspecto de un boceto tomado del natural, casi como un reportaje fotográfico instantáneo antes de tiempo.
Hazte Premium.
DesbloquearQuiz
¿Qué particularidad material del lienzo revela una modificación importante de la composición original por parte de Toulouse-Lautrec para acentuar la inmersión del espectador?
Descubrir
