La muerte de Marat

La muerte de Marat, pintada en 1793, es mucho más que una simple crónica periodística de un hecho sangriento. En pleno Terror, David, amigo personal de Jean-Paul Marat y organizador de las fiestas revolucionarias, recibe la misión de santificar al "periodista del pueblo". El contexto histórico es el de una Francia desgarrada por las luchas fratricidas entre girondinos y montañeses. El asesinato de Marat por Charlotte Corday el 13 de julio de 1793 se convierte en el catalizador de una propaganda visual sin precedentes. David no busca el realismo bruto, sino la verdad trascendente. Depura la escena de todo caos: fuera el desorden de la habitación, la asesina huyendo o los gritos de dolor. Solo quedan el silencio y la dignidad de un hombre muerto por sus ideas. En el plano estilístico, David utiliza los cánones del neoclasicismo para elevar el sujeto al rango de historia sagrada. La piel de Marat, aunque devastada por una enfermedad cutánea que requería baños de azufre prolongados, aparece aquí lisa, casi marmórea, recordando las estatuas antiguas o el cuerpo de Cristo en un Descendimiento. El contexto mitológico es sustituido aquí por una mitología republicana naciente: Marat se convierte en el nuevo santo de la Revolución, un mártir cuya sangre derramada es el cemento de la nación. La técnica de David es de una precisión quirúrgica, utilizando una iluminación lateral dramática que recuerda al caravaggismo, pero con una contención totalmente clásica que prohíbe cualquier patetismo excesivo. La psicología de la obra es de una complejidad fascinante. David logra instaurar un diálogo entre la víctima y el espectador a través de los escritos. La carta de Charlotte Corday, sostenida en la mano izquierda de Marat, así como el asignado sobre el bloque de madera, subrayan la traición de la asesina y la generosidad del difunto. Esta oposición entre la inocencia sacrificada y la perfidia femenina (según la lectura de la época) refuerza el impacto emocional. El vacío inmenso que ocupa la mitad superior del cuadro no es una falta de composición, sino un espacio metafísico, un silencio ensordecedor que invita a la meditación sobre la fragilidad de la vida y la perennidad del compromiso político. Finalmente, la obra es un tour de force técnico. El uso de una paleta restringida —ocres, marrones, verdes sordos y el blanco radiante de las sábanas— concentra la atención en el rojo de la sangre, que sin embargo sigue siendo discreto. La textura de los objetos, desde la madera bruta de la mesa hasta la rugosidad de la pluma, está plasmada con una verdad táctil que ancla lo sagrado en lo cotidiano. David no se conforma con pintar a un muerto; pinta la ausencia, el instante preciso en que el aliento abandona el cuerpo para entrar en la historia. Es esta tensión entre el cadáver biológico y el icono eterno lo que hace de este lienzo uno de los más poderosos del arte occidental.