Le Chapeau de paille

Peint entre 1622 et 1625, "Le Chapeau de Paille" représente Susanna Lunden, la sœur aînée de la future seconde épouse de Rubens. Ce portrait s'inscrit dans une période de plénitude pour l'artiste, qui domine alors la scène européenne par son style baroque flamboyant. L'œuvre témoigne de l'évolution du portrait aristocratique vers une forme d'intimité psychologique. Rubens s'éloigne des portraits de cour rigides pour explorer la vitalité de la bourgeoisie anversoise. Le contexte historique est celui d'une Anvers prospère, où Rubens fusionne les influences de la Renaissance italienne avec le naturalisme flamand, créant une esthétique de la chair unique. L'explication historique réside dans l'idéalisation de la figure féminine. Bien qu'il s'agisse d'un portrait réel, Rubens infuse à Susanna les caractéristiques des divinités qu'il affectionne, comme Vénus ou Junon, par la rondeur des formes et la luminosité du teint. Il n'y a pas de mythe antique explicite, mais l'œuvre fonctionne comme une célébration de la beauté fertile et de la grâce sociale, des thèmes chers à la philosophie humaniste. La pose rappelle les représentations de la pudeur antique, mais réinterprétée dans un contexte de mode contemporaine, transformant un moment privé en un archétype de l'élégance éternelle. Techniquement, le tableau est une prouesse en matière de gestion de la lumière "en plein air" bien avant les impressionnistes. Rubens utilise une technique de glacis superposés pour rendre la transparence de la peau. Le défi majeur réside dans l'ombre portée du chapeau sur le visage : au lieu d'une zone sombre, Rubens peint une ombre colorée, infusée de lumière réfléchie, ce qui préserve la clarté des yeux. Le contraste entre le noir profond du chapeau et le bleu intense du ciel accentue la luminosité du sujet, tandis que les touches rapides pour les plumes apportent une texture vibrante. Psychologiquement, l'œuvre dégage une assurance tranquille. Le regard de Susanna établit une connexion immédiate et intime. Rubens réussit à traduire la douceur de la relation familiale par la tendresse du pinceau. L'expression reflète l'idéal de la "sprezzatura" — une élégance naturelle sans effort. La psychologie de l'œuvre repose sur cet équilibre entre l'apparat extérieur (le chapeau, les bijoux) et la fragilité humaine perçue dans la transparence des veines du décolleté. C'est une capture de tempérament autant que de beauté.