Le Cri

Peint à la fin du XIXe siècle, "Le Cri" est l'acte de naissance de l'expressionnisme moderne. Munch rompt radicalement avec l'impressionnisme pour explorer les méandres de l'âme humaine. Le contexte historique est celui d'une Europe en pleine mutation, où les certitudes religieuses s'effondrent face aux découvertes de la psychanalyse naissante. Munch ne peint pas ce qu'il voit, mais ce qu'il ressent : une solitude radicale au sein d'une nature devenue hostile. Le cadre est précis, le fjord d'Oslo vu depuis la colline d'Ekeberg, mais il est transfiguré par une vision subjective qui transforme la réalité en un cauchemar chromatique. Bien qu'il n'y ait pas de mythe antique direct, l'œuvre crée son propre "mythe moderne" : celui de l'aliénation. Munch décrit dans son journal une expérience quasi mystique où, marchant avec des amis, il voit le ciel devenir rouge sang et ressent un "cri infini" traverser la nature. Ce n'est pas le personnage qui crie, mais le personnage qui se protège du cri de l'univers. Cette inversion sémantique déplace le sujet de l'anecdote vers l'universel. On peut y voir une résonance avec les tourments de Cassandre ou les lamentations bibliques, mais dépouillés de tout espoir de rédemption divine, plaçant l'homme seul face au néant. La technique de Munch est délibérément brute et hâtive pour préserver l'immédiateté de l'émotion. Il utilise une combinaison de tempera, d'huile et de pastel sur carton, créant des textures mates et sèches qui renforcent l'âpreté du message. Les courbes sinueuses du personnage et du paysage s'opposent aux lignes droites et rigides du pont, créant une tension visuelle insupportable. Les pigments, notamment le rouge cadmium et le jaune orangé du ciel, sont appliqués avec une violence qui suggère une urgence vitale. Cette économie de moyens au service d'une intensité maximale préfigure les révolutions artistiques du XXe siècle. Psychologiquement, l'œuvre est un autoportrait de la dépression et de l'agoraphobie. Munch était hanté par la maladie et la mort, ayant perdu sa mère et sa sœur très jeune. Le personnage central, dépouillé de genre et d'identité, devient un réceptacle pour l'angoisse du spectateur. L'éloignement des deux amis au fond symbolise la rupture du lien social et l'impuissance de la communication humaine. Le tableau ne se contente pas de représenter la douleur ; il l'incarne à travers une distorsion de l'espace-temps où le paysage semble se liquéfier sous l'effet d'une pression psychique extrême, forçant une empathie viscérale.