Ballerine azzurre

Realizzata verso il 1897, quest'opera appartiene alla fase finale della carriera di Degas, segnata da una quasi cecità che lo spinge verso una libertà gestuale senza precedenti. Il soggetto non è più l'esibizione sul palco, ma l'attesa, il momento di tensione in cui i corpi si preparano prima di entrare in scena. Le quattro ballerine, sebbene distinte, sembrano essere scomposizioni successive dello stesso movimento, uno studio quasi fotografico della grazia sotto tensione. L'uso del blu non è puramente descrittivo; diventa un soggetto a sé stante. Degas si allontana dall'impressionismo classico per esplorare una forma di simbolismo cromatico in cui il colore satura lo spazio. Non vediamo più solo delle ragazze, ma un'armonia di toni freddi esaltata dai riflessi caldi dei capelli rossi, creando un contrasto termico che anima la carta. Il contesto sociale delle "piccole api dell'Opera" traspare dalla stanchezza dei corpi. Degas, osservatore implacabile, non cerca l'idealizzazione. Cattura i gesti meccanici: una sistema la spallina, l'altra controlla la scarpetta. È questa umanità triviale, magnificata dallo splendore del colore, che costituisce la forza di Degas. Egli spoglia il mito della ballerina per conservarne solo la meccanica corporea e l'emozione plastica. Infine, l'influenza della fotografia e delle stampe giapponesi è qui portata al parossismo. L'inquadratura stretta, che taglia arti e volti, crea un senso di immediatezza e voyeurismo. Lo spettatore è posto al centro del gruppo, condividendo l'intimità soffocante del backstage. È questa rottura con la prospettiva tradizionale che pone Degas tra i padri della modernità artistica.