Barocco1645
Il giovane mendicante
Bartolomé Esteban Murillo
L'occhio del conservatore
"Un ragazzino siede solo in un angolo buio, cercandosi i pidocchi, circondato da una luce laterale che mette in risalto i piedi sporchi, avanzi di cibo e una giara di terracotta."
Capolavoro del naturalismo spagnolo, questa tela trascende la miseria sociale attraverso una sublime padronanza del chiaroscuro, catturando l'intimità di un bambino di strada di Siviglia con una dignità senza precedenti.
Analisi
Dipinto intorno al 1645-1650, "Il giovane mendicante" si inserisce nel doloroso contesto della Siviglia del XVII secolo, devastata dalla peste, dalla carestia e dal declino economico dell'Impero spagnolo. Murillo, fino ad allora noto per le sue opere religiose eteree, sorprende con questa scelta di un soggetto profano. Si ispira alla tradizione letteraria picaresca, molto popolare all'epoca, che mette in scena furfanti e orfani che sopravvivono grazie al loro ingegno. Tuttavia, a differenza dei suoi contemporanei che spesso ridicolizzano la povertà, Murillo tratta il suo soggetto con un'empatia che prefigura il realismo moderno.
L'opera non si basa su un contesto mitologico classico, ma su una cruda realtà sociale che diventa un "mito del quotidiano". Il bambino è il simbolo dell'innocenza corrotta dall'abbandono, ma conserva una forma di nobiltà naturale. La spiegazione storica risiede nell'influenza dei Francescani, vicini a Murillo, che predicavano la carità e vedevano nel povero un'immagine di Cristo. Pertanto, l'opera funge da monito morale per gli spettatori facoltosi: la miseria non è un crimine, ma una condizione umana che richiama la compassione cristiana.
Dal punto di vista tecnico, Murillo utilizza un tenebrismo ammorbidito, ereditato da Caravaggio ma reinterpretato con un tocco più vaporoso. La luce, proveniente da un'alta finestra invisibile a sinistra, scolpisce i volumi in modo drammatico, lasciando lo sfondo in un'oscurità impenetrabile. La trama dei tessuti lacerati e l'opacità della giara di terracotta (il "búcaro") dimostrano una virtuosità nella resa dei materiali. Le sfumature di marrone, ocra e bianco sporco creano un'armonia cromatica sobria che rafforza l'austerità e la verità della scena.
Psicologicamente, l'opera è di una complessità sconvolgente. Il bambino è assorbito dal suo compito, un gesto banale e solitario che ne accentua l'isolamento. Il suo volto, per metà in ombra, non esprime né lamento né rivolta, ma una silenziosa rassegnazione. Murillo riesce a catturare un momento di riposo in una vita di lotta, trasformando l'atto di spidocchiarsi in una meditazione sulla fragilità dell'esistenza. È questa capacità di nobilitare il triviale che pone Murillo al vertice dell'arte europea del suo tempo.
Uno dei segreti più affascinanti rivelati dalle recenti analisi radiografiche è che Murillo ha riutilizzato una tela. Sotto lo strato pittorico del mendicante, sono state scoperte tracce di un disegno preparatorio per una composizione religiosa, dimostrando che l'artista dovette adattare i suoi materiali durante un periodo di ristrettezza finanziaria o urgenza creativa. Inoltre, i dettagli dei gamberetti e della frutta nell'angolo sinistro non sono lì per caso; simboleggiano i piaceri effimeri e contrastano violentemente con la povertà del ragazzo, suggerendo che anche nella privazione rimangono vestigia di una vita migliore.
Un altro mistero risiede nell'identità del committente. Si è a lungo pensato che l'opera fosse destinata a un mercante fiammingo, poiché questo tipo di soggetto realistico era molto apprezzato nell'Europa settentrionale, molto più che in Spagna a quell'epoca. Le analisi scientifiche dei pigmenti mostrano un uso significativo di terre naturali di Siviglia, ancorando l'opera fisicamente al suo suolo natale. Il "búcaro" (la giara) è un oggetto tipico dell'Andalusia, spesso usato per rinfrescare l'acqua ma consumato anche in piccoli pezzi dalle donne dell'epoca per le sue presunte virtù medicinali.
Infine, il dettaglio dei piedi sporchi ha fatto scorrere molto inchiostro. All'epoca, presentare una tale sporcizia era considerato un'audacia stilistica senza precedenti. Alcuni vi hanno visto un'influenza diretta di Ribera, il maestro del realismo crudo. Tuttavia, in Murillo, questa sporcizia è trattata con una tale dolcezza pittorica da perdere il suo carattere ripugnante per diventare parte integrante della verità poetica dell'opera. È un segreto di "bellezza nel brutto" che i critici del XIX secolo hanno riscoperto con passione.
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