Neoclassicismo1784
Il giuramento degli Orazi
Jacques-Louis David
L'occhio del conservatore
"I tre fratelli Orazi che tendono le braccia verso il padre che brandisce le loro spade, mentre le donne della famiglia crollano in un dolore rassegnato, il tutto inserito sotto tre austere arcate doriche."
Il manifesto fondatore del Neoclassicismo, dove David sublima il sacrificio patriottico attraverso un rigore geometrico e una severità morale senza precedenti, rompendo definitivamente con le frivolezze del Rococò.
Analisi
Esposto al Salon del 1785, "Il giuramento degli Orazi" rappresenta una rivoluzione estetica radicale. Dipinto a Roma, l’opera rifiuta gli artifici della pittura galante per imporre un ritorno all’antico intriso di virtù civica. Il contesto storico è quello di una Francia monarchica in cerca di nuovi modelli morali. David attinge alla storia della Roma primitiva (VII secolo a.C.), allora in conflitto con la città di Alba Longa. Per evitare una guerra totale, ogni città designa tre campioni. Il mito racconta l’impegno assoluto dei fratelli Orazi verso la patria, preferendo la morte al disonore.
L’analisi mitologica sottolinea la tragedia corneliana sottostante. Il dramma non è solo militare, è familiare. Gli Orazi sono legati ai Curiazi da matrimoni incrociati: Sabina è una Curiazia sposata con un Orazio, e Camilla è un’Orazia fidanzata con un Curiazio. Scegliendo di combattere, i fratelli accettano di spezzare i propri legami di sangue. David sceglie un momento non descritto nei testi antichi: l’istante del giuramento. È un’invenzione iconografica maggiore che congela il passaggio dall’intenzione all’azione irreversibile, trasformando un patto privato in una consacrazione repubblicana.
Tecnicamente, David impiega un tocco liscio e invisibile, privilegiando il primato del disegno sul colore. La luce, laterale e cruda, ricorda il caravaggismo ma senza il suo disordine barocco. Scolpisce i muscoli e i drappeggi come marmo, conferendo ai personaggi una dimensione statuaria monumentale. I volti dei fratelli sono quasi fusi in un’espressione identica, annullando le loro individualità a favore di una volontà collettiva. Il contrasto tra la rigidità maschile, fatta di linee rette, e il cedimento femminile, fatto di curve, funge da motore semantico dell’opera.
La psicologia dell’opera esplora la tensione tra lo stoicismo eroico e l’emozione umana. Il padre, perno centrale e sacerdote del culto della patria, esprime una determinazione solenne che trascende l'angoscia paterna. A destra, il crollo delle donne apporta la dimensione tragica. Esse sono prostrate dall’inesorabilità del destino, consapevoli che la vittoria della loro città significa la perdita dei loro cari. Questa divisione binaria dello spazio esprime l’impossibile conciliazione tra dovere patriottico e amore familiare, ponendo lo spettatore al centro di un dilemma morale assoluto.
Un segreto risiede nella preparazione ossessiva di David: fece fabbricare armature e spade reali da artigiani romani per servire da modelli, al fine di garantire una perfetta autenticità archeologica. Le analisi ai raggi X hanno rivelato che David modificò la posizione del braccio del padre più volte perché fosse perfettamente allineata con le spade, accentuando così la tensione simbolica. Inoltre, il personaggio del figlio minore fu leggermente arretrato durante l’esecuzione per dare un’impressione di profondità spaziale senza rompere il fregio.
Un aneddoto poco noto riguarda la ricezione dell’opera a Roma. Il successo fu tale che David dovette aprire il suo atelier al pubblico; si racconta che processioni di cittadini venissero ad ammirare il quadro come una reliquia sacra. Eppure, il re di Francia, committente dell’opera, fu sorpreso dal suo formato colossale e dal suo tono quasi sovversivo. Il quadro contiene anche un dettaglio sottile: un’ombra portata sul suolo che sembra prefigurare il martirio dei combattenti. La figura di Camilla, il cui volto è nascosto, è una prodezza psicologica dove il dolore diventa invisibile per essere più intenso.
Infine, ricerche recenti suggeriscono che David si sia ispirato alla statuaria antica vista in Vaticano per la posa delle donne, in particolare i rilievi di sarcofagi. Il vuoto tra i personaggi e le arcate gioca un ruolo cruciale; crea un silenzio monumentale. Contrariamente al barocco che riempie lo spazio, David usa il vuoto per sottolineare la solitudine dell’eroe di fronte al suo destino. È questa economia di mezzi, unita a una potenza espressiva grezza, che ha reso il Giuramento degli Orazi il manifesto indiscusso della pittura moderna all’alba del 1789.
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