Postimpressionisme1894
Openbare Tuinen
Édouard Vuillard
Het oog van de conservator
"Het gebruik van lijmverf (détrempe) op los doek geeft het werk een uniek mat en fluweelachtig uiterlijk, dat doet denken aan fresco's. Deze techniek stelde Vuillard in staat het werk in de muur te integreren in plaats van het als een geïsoleerd schilderij te behandelen."
Deze serie van negen panelen, een monumentale opdracht voor de salon van Alexandre Natanson, revolutioneerde het moderne decor. Vuillard versmelt de observatie van het Parijse dagelijkse leven in de Tuilerieën met een esthetiek geïnspireerd op middeleeuwse wandtapijten en Japanse prenten.
Analyse
De Openbare Tuinen markeren het hoogtepunt van Vuillards Nabi-periode. In 1894 gaf Alexandre Natanson, directeur van La Revue Blanche, de schilder de opdracht voor een decor voor zijn stadsvilla aan de Avenue du Bois de Boulogne. Vuillard koos een thema dat destijds erg in de mode was: het leven in de Parijse parken, meer bepaald de Jardin des Tuileries. Analyse van deze panelen onthult een wil om te breken met het impressionistische naturalisme ten gunste van een synthetische en decoratieve visie, waarbij figuren van kinderen en kindermeisjes motieven worden die in de natuur zijn geïntegreerd.
Het project past in een herdefiniëring van de rol van kunst in de huiselijke ruimte. Voor de Nabis was er geen onderscheid tussen "hoge kunsten" en "toegepaste kunsten". Door een salon te transformeren in een imaginaire verlenging van openbare tuinen, creëert Vuillard een continuïteit tussen het burgerlijke interieur en het stedelijke exterieur. Moderniteit ligt hier in het weigeren van de anekdote: hoewel de scènes ontleend zijn aan het echte leven, worden ze behandeld met een poëtische afstand die ze transformeert tot archetypen van stedelijke sereniteit.
De invloed van de middeleeuwse "mille-fleurs" wandtapijten is manifest. Net als in "De dame met de eenhoorn" verzadigt Vuillard de ruimte met plantmotieven en kleuraccenten die de traditionele atmosferische diepte wegnemen. Elk paneel functioneert autonoom terwijl het deel uitmaakt van een globale harmonie. Deze benadering loopt vooruit op het onderzoek van Matisse naar decoratie en dat van Monet voor de Waterlelies, waarbij het werk de kijker volledig neigt te omhullen.
De kunstenaar verkent ook de psychologie van intimiteit in de openbare ruimte. Vuillard, vaak de "intimisme" genoemd, verplaatst zijn favoriete thema's (vrouwen, textiel, patronen) naar de tuin. De silhouetten zijn geen portretten, maar stille aanwezigheden die in het decor lijken op te gaan. Deze versmelting van mens en plant creëert een sfeer van zachte melancholie, kenmerkend voor de eeuwwisseling.
Ten slotte toont de technische analyse het belang van matheid aan. In tegenstelling tot olie glanst lijmverf niet, wat storende reflecties vermijdt in een interieur dat verlicht wordt door kaarsen of gas. Deze technische beperking wordt een esthetische troef, waardoor Vuillard kan spelen met gedempte tonen, oker en doffe groenen die de serie een tijdloze adel verlenen, ver weg van de soms kunstmatige glans van de hedendaagse salonkunst.
Het eerste grote geheim ligt in de originele drager en opstelling. Hoewel we deze panelen tegenwoordig in musea zien, waren ze ontworpen om te worden ingebouwd in de lambrisering van Natansons salon. De kunstenaar moest rekening houden met de architectuur van de kamer, inclusief de deuren en hoeken, wat het ongebruikelijke en zeer verticale formaat van sommige panelen verklaart. Bij de verkoop van de stadsvilla werden de panelen eruit gerukt, waardoor ze hun oorspronkelijke ruimtelijke context verloren.
Een belangrijk technisch geheim is het gebruik van lijmverf op basis van huidenlijm, een archaïsche methode. Vuillard kookte stukken konijnenhuid om een lijm te verkrijgen die hij mengde met droge pigmenten. Dit mengsel moest warm worden gehouden op een komfoor terwijl hij schilderde. Als de lijm afkoelde, stolde hij; als hij te warm was, verbrandden de pigmenten. Het is deze "warme" techniek die die bijzondere korrel geeft, maar die het werk ook extreem kwetsbaar en onmogelijk te vernissen maakt.
Het werk bevat versleutelde boodschappen die verband houden met de kring rond La Revue Blanche. We weten dat Misia Sert, de echtgenote van Alexandre Natanson en muze van de Nabis, op een gestileerde manier wordt afgebeeld in verschillende panelen. Haar aanwezigheid is een affectieve handtekening van de kunstenaar die stiekem verliefd op haar was. De interacties tussen de kindermeisjes en de kinderen kunnen ook worden gelezen als een metafoor voor de sociale spanningen en de klassenstructuur van het einde van de 19e eeuw, verborgen onder de schijnbare lichtheid van een middag in het park.
Er bestaat een "verloren" paneel of liever een aangepaste versie. Aanvankelijk had Vuillard negen panelen ontworpen, maar de uiteindelijke opstelling evolueerde. Sommige voorbereidende studies tonen aan dat de kunstenaar de achtergrondkleuren radicaal veranderde, van weelderig groen naar meer aardse tonen om te harmoniseren met het meubilair van zijn mecenas. Deze onderwerping van het werk aan het object (het meubel) is een fabrieksgeheim van de Nabis die het schilderij beschouwden als een meubelstuk van de geest.
Ten slotte omringt een conserveringsgeheim deze doeken. Omdat ze niet vernist zijn, absorberen ze onomkeerbaar stof en vervuiling. Restaurateurs van het Musée d'Orsay gebruiken extreem complexe droogreinigingstechnieken om de huidenlijm niet te reactiveren. Elke interventie is een risico, omdat de picturale laag zo dun is dat deze bijna versmelt met de vezels van het doek, waardoor deze tuinen letterlijk werken zijn die op de huid zitten.
Word Premium.
OntgrendelenQuiz
Welk technisch kenmerk van de schilderslaag van "Openbare Tuinen" verklaart de fluweelzachte matheid en de huidige grote kwetsbaarheid?
Ontdekken
