Bailarinas azuis

Realizada por volta de 1897, esta obra pertence à fase final da carreira de Degas, marcada por uma quase cegueira que o empurra para uma liberdade gestual sem precedentes. O tema já não é a performance no palco, mas o "intervalo", o momento de tensão onde os corpos se ajustam antes de entrar na luz. As quatro bailarinas, embora distintas, parecem ser decomposições sucessivas de um mesmo movimento, um estudo quase fotográfico da torção e da graça sob tensão. O uso do azul não é puramente descritivo; torna-se um tema em si mesmo. Degas afasta-se do impressionismo clássico para explorar uma forma de simbolismo cromático onde a cor satura o espaço. Já não vemos apenas raparigas, mas uma harmonia de tons frios realçada pelos reflexos quentes das cabeleiras ruivas, criando um contraste térmico impressionante que anima a superfície do papel. O contexto social dos "pequenos ratos da Ópera" transparece na fadiga dos corpos. Degas, observador implacável, não procura a idealização. Capta os gestos mecânicos: uma ajusta a alça, outra verifica a sapatilha. É esta humanidade trivial, magnificada pelo esplendor da cor, que constitui a força de Degas. Ele despe o mito da bailarina para guardar apenas a mecânica corporal e a emoção plástica. Finalmente, a influência da fotografia e das estampas japonesas é aqui levada ao paroxismo. O enquadramento apertado, que corta membros e rostos, cria um sentimento de imediatismo e voyeurismo. O espectador é colocado no coração do grupo, partilhando a intimidade sufocante dos bastidores. É esta rutura com a perspetiva tradicional que coloca Degas como um dos pais da modernidade artística.