A Infanta Margarida em Azul

A Infanta Margarida em azul representa o apogeu da maturidade estilística de Diego Velázquez. Pintado apenas um ano antes da sua morte, este retrato não é apenas uma encomenda oficial, mas uma meditação sobre a presença e a ausência. A Infanta, então com oito anos, é representada num vestido de seda azul ricamente adornado com guarnições de prata. A técnica do pintor atinge aqui uma liberdade quase moderna: de perto, as pinceladas parecem fragmentadas e abstratas, mas à distância adequada fundem-se para criar uma ilusão de textura e luz vibrante. A análise do especialista sublinha que este retrato faz parte de uma série enviada para a corte de Viena para informar o seu futuro esposo, Leopoldo I, da evolução física da sua noiva. Esta dimensão utilitária não retira nada à profundidade psicológica. A Infanta é prisioneira de um traje imponente que parece devorá-la, simbolizando o peso do destino dinástico que recai sobre os seus frágeis ombros. Velázquez consegue capturar um certo cansaço no seu olhar, uma dignidade precoce que contrasta com a doçura infantil dos seus traços. Embora se trate de um retrato histórico, pode ler-se nele o mito da "Cativa Real". Margarida é refém de uma etiqueta de corte espanhola sufocante, a mais rígida da Europa. A cor azul, tradicionalmente associada à pureza celestial mas também a uma certa melancolia aristocrática, reforça esta impressão de solidão. Ela não é uma criança que brinca, mas um ícone vivo, um peão diplomático cujas imagens viajavam pela Europa para selar alianças políticas entre os ramos espanhol e austríaco dos Habsburgo. O tratamento da luz por Velázquez é aqui magistral. A luz não atinge a Infanta de frente, mas parece emanar da própria matéria, especialmente dos reflexos prateados do vestido. Este procedimento cria uma aura em redor da menina, extraindo-a do fundo escuro e indistinto para a colocar numa eternidade pictórica. É esta capacidade de transformar uma encomenda de corte numa obra universal sobre a condição humana que faz deste quadro um dos maiores tesouros da história da arte. Finalmente, a obra prefigura o impressionismo de maneira perturbadora. A dissolução das formas na luz e a prioridade dada à sensação visual sobre o contorno nítido seriam os fundamentos da revolução pictórica do século XIX. Velázquez não pinta objetos, pinta o ar que circula entre ele e o sujeito, criando o que se chama "perspetiva aérea", onde a atmosfera se torna uma personagem de pleno direito no quadro.