A Orquestra da Ópera

A análise profunda desta tela revela a obsessão de Degas pela modernidade e a sua vontade de romper com as convenções académicas. Pintado por volta de 1870, este quadro não é apenas uma cena de género, é um estudo psicológico da vida urbana parisiense. Degas rejeita o retrato posado em favor do instantâneo. O estilo é marcado por uma precisão quase fotográfica na representação dos instrumentos e rostos, contrastando com o desfoque sugestivo do cenário. O contexto histórico é o da Ópera Le Peletier, antes de ser destruída por um incêndio. Degas, frequentador dos bastidores, procura capturar o "reverso do cenário". Não se trata de uma orquestra completa, mas de uma montagem sábia de retratos. A técnica de Degas, utilizando camadas de tinta finas mas densas, permite reproduzir a textura da madeira dos instrumentos e o brilho dos smokings pretos. A luz vem do palco, criando reflexos invertidos nas testas. No plano mitológico e simbólico, embora a obra seja realista, evoca uma descida moderna aos infernos. O fosso é um espaço subterrâneo, escuro e amontoado, onde os músicos, como operários da arte, sustentam com o seu esforço o mundo celestial das bailarinas. É uma reflexão sobre a hierarquia das artes e dos sexos no século XIX. A psicologia da obra reside no isolamento de cada músico apesar da proximidade física. Finalmente, esta obra marca a influência crescente das estampas japonesas em Degas. O enquadramento audaz, onde os objetos são cortados nitidamente nas bordas da tela, cria uma sensação de prolongamento do espaço além da moldura. Isto força o espectador a imergir no fosso, partilhando a estreiteza da orquestra. Degas transforma uma encomenda amigável num manifesto estético sobre a visão fragmentada do mundo moderno.