Der Strohhut

Zwischen 1622 und 1625 gemalt, zeigt "Der Strohhut" Susanna Lunden, die ältere Schwester von Rubens' späterer zweiter Frau. Dieses Porträt entstand in einer Zeit der künstlerischen Erfüllung für Rubens, der die europäische Szene mit seinem flammenden Barockstil dominierte. Das Werk zeugt von der Entwicklung des Porträts hin zu einer Form psychologischer Intimität. Rubens entfernt sich von starren Hofporträts, um die Vitalität des Antwerpener Bürgertums zu erkunden. Der Kontext ist ein wohlhabendes Antwerpen, in dem Rubens Einflüsse der italienischen Renaissance mit flämischem Naturalismus verschmolz. Die historische Erklärung liegt in der Idealisierung der weiblichen Figur. Obwohl es ein reales Porträt ist, verleiht Rubens Susanna Merkmale von Gottheiten wie Venus oder Juno durch die Rundung der Formen und die Leuchtkraft des Teints. Es gibt keinen expliziten antiken Mythos, aber das Werk feiert fruchtbare Schönheit und soziale Anmut. Die Pose erinnert an antike Darstellungen der Schamhaftigkeit, wird hier jedoch in einem zeitgenössischen Modekontext neu interpretiert und macht ein privates Moment zu einem Archetyp ewiger Eleganz. Die Darstellung der Frau ist eine Hymne an das Leben und die bürgerliche Würde jener Epoche. Technisch ist das Gemälde eine Meisterleistung im Umgang mit Licht "en plein air". Rubens verwendet Lasuren, um die Transparenz der Haut darzustellen. Die größte Herausforderung ist der Schlagschatten des Hutes: Anstatt einer dunklen Zone malt Rubens einen farbigen Schatten voller reflektiertem Licht, der die Klarheit der Augen bewahrt. Der Kontrast zwischen dem tiefen Schwarz des Hutes und dem intensiven Blau des Himmels betont die Leuchtkraft des Subjekts, während nervöse Pinselstriche für die Federn Textur verleihen. Die Virtuosität der Pinselführung zeigt Rubens auf dem Höhepunkt seines technischen Könnens. Psychologisch strahlt das Werk ruhiges Selbstvertrauen aus. Susannas Blick stellt eine sofortige Verbindung zum Betrachter her. Rubens übersetzt die Vertrautheit der familiären Beziehung durch die Zärtlichkeit des Pinsels. Der Ausdruck spiegelt das Ideal der "Sprezzatura" wider – eine natürliche, mühelose Eleganz. Die Psychologie des Werks ruht auf dem Gleichgewicht zwischen äußerem Prunk und menschlicher Zerbrechlichkeit, die in der Transparenz der Venen am Dekolleté wahrgenommen wird. Es ist die Darstellung einer Frau, die ihre Schönheit und ihren sozialen Status mit einer gelassenen Würde trägt.