Barock1645
Der junge Bettler
Bartolomé Esteban Murillo
Das Auge des Kurators
"Ein kleiner Junge sitzt allein in einer dunklen Ecke und sucht nach Läusen, umgeben von seitlichem Licht, das seine schmutzigen Füße, Essensreste und einen Tonkrug hervorhebt."
Dieses Meisterwerk des spanischen Naturalismus transzendiert das soziale Elend durch eine erhabene Beherrschung des Chiaroscuro und fängt die Intimität eines sevillanischen Straßenkindes mit beispielloser Würde ein.
Analyse
Um 1645-1650 gemalt, entstand "Der junge Bettler" im schmerzhaften Kontext des Sevilla des 17. Jahrhunderts, das von Pest, Hungersnot und dem wirtschaftlichen Niedergang des spanischen Weltreichs heimgesucht wurde. Murillo, der bis dahin für seine ätherischen religiösen Werke bekannt war, überrascht mit der Wahl dieses profanen Themas. Er ließ sich von der literarischen Tradition des Schelmenromans (Picaresca) inspirieren, die damals sehr populär war und von Gaunern und Waisen handelte, die durch ihre List überlebten. Doch im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen, die Armut oft karikierten, behandelte Murillo sein Sujet mit einer Empathie, die den modernen Realismus vorwegnahm.
Das Werk beruht nicht auf einem klassischen mythologischen Kontext, sondern auf einer rohen sozialen Realität, die zu einem "Mythos des Alltags" wird. Das Kind ist ein Symbol für die durch Verwahrlosung korrumpierte Unschuld, bewahrt sich jedoch eine Form natürlicher Nobless. Die historische Erklärung liegt im Einfluss der Franziskaner, die Murillo nahestanden. Sie predigten Nächstenliebe und sahen im Armen ein Ebenbild Christi. So fungiert das Werk als moralische Mahnung an wohlhabende Betrachter: Elend ist kein Verbrechen, sondern eine menschliche Bedingung, die nach christlichem Mitgefühl verlangt.
Technisch verwendet Murillo einen gemilderten Tenebrismus, der von Caravaggio geerbt, aber mit einer duftigeren Note neu interpretiert wurde. Das Licht, das aus einem unsichtbaren hohen Fenster von links kommt, meißelt die Volumina auf dramatische Weise heraus und lässt den Hintergrund in undurchdringlicher Dunkelheit. Die Textur der zerrissenen Stoffe und die Mattheit des Tonkrugs (der "búcaro") zeugen von einer Virtuosität in der Wiedergabe von Materialien. Die Nuancen von Braun, Ocker und Off-White erzeugen eine nüchterne chromatische Harmonie, die die Strenge und Wahrheit der Szene verstärkt.
Psychologisch ist das Werk von erschütternder Komplexität. Das Kind ist ganz in seine Aufgabe vertieft – eine triviale und einsame Geste, die seine Isolation unterstreicht. Sein Gesicht, das zur Hälfte im Schatten liegt, drückt weder Klage noch Revolte aus, sondern eine stille Resignation. Murillo gelingt es, einen Moment der Ruhe in einem Leben voller Kampf einzufangen und den Akt des Entlausens in eine Meditation über die Zerbrechlichkeit der Existenz zu verwandeln. Es ist diese Fähigkeit, das Triviale zu veredeln, die Murillo an die Spitze der europäischen Kunst seiner Zeit stellt.
Eines der faszinierendsten Geheimnisse, die durch jüngste Röntgenanalysen enthüllt wurden, ist, dass Murillo eine Leinwand wiederverwendet hat. Unter der Malschicht des Bettlers wurden Spuren einer Vorzeichnung für eine religiöse Komposition entdeckt, was beweist, dass der Künstler seine Materialien in Zeiten finanzieller Not oder kreativer Dringlichkeit anpassen musste. Zudem sind die Details der Garnelen und Früchte in der linken Ecke nicht zufällig dort; sie symbolisieren flüchtige Freuden und stehen in krassem Kontrast zur Armut des Jungen, was darauf hindeutet, dass selbst im Elend Reste eines besseren Lebens bleiben.
Ein weiteres Rätsel liegt in der Identität des Auftraggebers. Man dachte lange Zeit, dass das Werk für einen flämischen Händler bestimmt war, da diese Art von realistischen Sujets in Nordeuropa sehr geschätzt wurde, viel mehr als im damaligen Spanien. Wissenschaftliche Analysen der Pigmente zeigen eine signifikante Verwendung von natürlichen Erden aus Sevilla, was das Werk physisch in seinem Heimatboden verankert. Der "búcaro" (der Krug) ist zudem ein typisches Objekt aus Andalusien, das oft zur Kühlung von Wasser verwendet wurde, aber von den Frauen jener Zeit auch in kleinen Stücken gegessen wurde, da man ihm medizinische Tugenden zuschrieb.
Schließlich hat das Detail der schmutzigen Füße viel Tinte fließen lassen. In der damaligen Zeit galt die Darstellung eines solchen Schmutzes als beispiellose stilistische Kühnheit. Einige sahen darin einen direkten Einfluss von Ribera, dem Meister des rohen Realismus. Bei Murillo wird dieser Schmutz jedoch mit einer solchen malerischen Sanftheit behandelt, dass er seinen abstoßenden Charakter verliert und zu einem integralen Bestandteil der poetischen Wahrheit des Werks wird. Es ist ein Geheimnis der "Schönheit im Hässlichen", das Kritiker des 19. Jahrhunderts mit Leidenschaft wiederentdeckten.
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Welcher täglichen Aktivität, ein Symbol für seine große Armut, geht das Kind nach?
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