Öffentliche Gärten

Die Öffentlichen Gärten markieren den Höhepunkt von Vuillards Nabi-Zeit. 1894 beauftragte Alexandre Natanson, Direktor der Revue Blanche, den Maler mit einem Dekor für sein Stadtpalais in der Avenue du Bois de Boulogne. Vuillard wählte ein damals sehr modisches Thema: das Leben in den Pariser Parks, genauer gesagt im Jardin des Tuileries. Die Analyse dieser Paneele offenbart den Wunsch, mit dem impressionistischen Naturalismus zu brechen und eine synthetische und dekorative Vision zu bevorzugen, in der Kinder- und Kindermädchenfiguren zu in die Natur integrierten Motiven werden. Das Projekt ist Teil einer Neudefinition der Rolle der Kunst im häuslichen Raum. Für die Nabis gab es keinen Unterschied zwischen "hoher Kunst" und "angewandter Kunst". Indem er einen Salon in eine imaginäre Erweiterung öffentlicher Gärten verwandelte, schuf Vuillard eine Kontinuität zwischen dem bürgerlichen Interieur und dem städtischen Außenraum. Die Modernität liegt hier in der Ablehnung der Anekdote: Obwohl die Szenen aus dem wirklichen Leben stammen, werden sie mit einer poetischen Distanz behandelt, die sie in Archetypen städtischer Gelassenheit verwandelt. Der Einfluss der "Mille-fleurs"-Wandteppiche des Mittelalters ist offensichtlich. Wie in "Die Dame mit dem Einhorn" sättigt Vuillard den Raum mit Pflanzenmotiven und Farbtupfern, die die traditionelle atmosphärische Tiefe aufheben. Jedes Paneel fungiert autonom und ist gleichzeitig Teil einer globalen Harmonie. Dieser Ansatz nimmt die Forschungen von Matisse zur Dekoration und jene von Monet für die Seerosen vorweg, bei denen das Werk dazu neigt, den Betrachter völlig zu umhüllen. Der Künstler erforscht auch die Psychologie der Intimität im öffentlichen Raum. Vuillard, oft als der "Intimist" bezeichnet, überträgt seine Lieblingsthemen (Frauen, Textilien, Muster) in den Garten. Die Silhouetten sind keine Porträts, sondern stille Präsenzen, die im Dekor aufzugehen scheinen. Diese Verschmelzung von Mensch und Pflanze schafft eine Atmosphäre sanfter Melancholie, die für die Jahrhundertwende charakteristisch ist. Schließlich zeigt die technische Analyse die Bedeutung der Mattheit. Im Gegensatz zu Öl glänzt die Leimfarbe nicht, was störende Reflexionen in einem mit Kerzen oder Gas beleuchteten Innenraum vermeidet. Diese technische Einschränkung wird zu einem ästhetischen Vorteil, der es Vuillard ermöglicht, mit gedämpften Tönen, Ocker und stumpfen Grüntönen zu spielen, die der Serie eine zeitlose Erhabenheit verleihen, fernab vom manchmal künstlichen Glanz der zeitgenössischen Salonmalerei.