Apolo y Dafne

Inspirada en las "Metamorfosis" de Ovidio, la obra ilustra el castigo de Cupido a Apolo. Para vengarse de las burlas del dios, Cupido lanza una flecha de oro a Apolo, enamorándolo, y una de plomo a Dafne, inspirándole asco. Bernini congela el momento del acoso: cuando Apolo toca a Dafne, ella implora a su padre Peneo que destruya su belleza para escapar. Su transformación en laurel comienza ante nuestros ojos, uniendo el terror de la ninfa con el asombro del dios. El análisis iconográfico revela una tensión entre el deseo sensual y la moral cristiana. Aunque el tema es pagano, fue encargado por el cardenal Scipione Borghese. Para justificar una escena tan erótica, se añadió un dístico moralizante en latín al pedestal, obra del futuro Papa Urbano VIII, explicando que quien persigue placeres efímeros solo cosecha hojas amargas. Esta dualidad es propia del barroco romano. Técnicamente, Bernini empuja los límites de la estatuaria. A diferencia del Renacimiento, el artista se lanza al espacio con audacia. Los dedos de Dafne convirtiéndose en hojas y su cabello estirándose al viento crean una sensación de levitación. El mármol pierde su peso intrínseco para convertirse en una sustancia maleable capaz de expresar el paso de un estado biológico a otro. El renderizado psicológico es magistral. El rostro de Apolo expresa sorpresa y deseo frustrado, mientras la boca de Dafne parece soltar un grito silencioso. Bernini captura los "movimientos del alma", marcando la transición hacia un arte del espectáculo y la empatía. Finalmente, la obra debe entenderse en su contexto espacial original. No estaba en el centro de la sala, sino contra una pared. El espectador veía primero a Apolo de espaldas y, al rodear la estatua, descubría gradualmente la metamorfosis. Este recorrido narrativo acentúa el efecto teatral y la sorpresa visual.