Romanticismo1850
Dante y Virgilio
William Bouguereau
El ojo del conservador
"El punto focal es el mordisco salvaje de Gianni Schicchi en el cuello de Capocchio. Este abrazo mortal, donde la rodilla del primero se hinca en los riñones del segundo, expresa una potencia física casi animal, subrayada por una musculatura prominente y una piel de reflejos cadavéricos."
Bouguereau captura un momento de inaudita violencia en el corazón del Infierno de Dante, donde la lucha encarnizada entre dos condenados se convierte en un espectáculo de músculos y furia. Esta obra maestra de juventud reinventa el desnudo académico a través del Romanticismo oscuro.
Análisis
El análisis de este cuadro debe comenzar por la fuente literaria: el Canto XXX del Infierno de la Divina Comedia de Dante Alighieri. Nos encontramos en el octavo círculo, el de los falsificadores e impostores. El mito cuenta que Gianni Schicchi, un usurpador de Florencia, está condenado a vagar eternamente en una rabia loca. Aquí, Bouguereau ilustra el instante en que Schicchi se lanza sobre el alquimista Capocchio para devorarlo, bajo la mirada impotente y horrorizada de Dante y su guía Virgilio. Esta obra marca una ruptura neta con el estilo gracioso que más tarde se asociará al artista; muestra su capacidad para explorar el "sublime" definido por Edmund Burke, una mezcla de belleza y terror.
La tensión dramática se ve exacerbada por el tratamiento de los cuerpos. Bouguereau no se limita a pintar desnudos; disecciona el sufrimiento. El cuerpo de Capocchio se desploma, roto por la fuerza superior de su agresor, mientras que Schicchi parece poseído por una energía demoníaca. Este combate ilustra la ley del "contrapasso" de Dante: los pecadores sufren un castigo que refleja la naturaleza de sus faltas. Aquí, los que engañaron con palabras o sustancias son condenados a una bestialidad desprovista de toda razón humana, reducidos al estado de depredadores eternos.
La presencia de Dante y Virgilio en segundo plano es crucial. Ellos encarnan al espectador moralizador. Dante, vestido con su emblemática túnica roja, se oculta parcialmente el rostro, incapaz de soportar la vista de esta bestialidad, mientras que Virgilio, más sereno pero grave, observa el cumplimiento de la justicia divina. Este contraste entre la estabilidad vertical de los poetas y el caos horizontal y entrelazado de los condenados subraya la jerarquía entre el espíritu guiado por la razón y la carne abandonada al pecado.
El contexto de creación en 1850 es el de un joven artista que intenta conquistar el Premio de Roma. Bouguereau busca demostrar su maestría en la anatomía heroica, heredada de Miguel Ángel, inyectándole al mismo tiempo una dimensión teatral propia del siglo XIX. La oscuridad del decorado, poblado de espectros y demonios que ríen entre sombras, refuerza la inmersión en un mundo sin esperanza. Es una obra de demostración de fuerza técnica destinada a impactar la mente de los críticos de la época por su potencia bruta.
Finalmente, el cuadro explora la noción de límite. El mordisco, el desgarro de la carne y la distorsión de los miembros empujan el academicismo hacia sus límites. Bouguereau utiliza la perfección técnica para hacer creíble lo monstruoso. No es solo una ilustración literaria, es una exploración de la tenue frontera entre el hombre y la bestia, temática querida por los románticos que veían en el Infierno un espejo de las pasiones humanas más oscuras.
Uno de los secretos más fascinantes reside en la inspiración anatómica de Bouguereau. Para obtener este realismo de la carne suplicante, visitó la morgue y estudió los cuerpos de ejecutados y enfermos, una práctica común entre los pintores de historia de la época como Géricault. Esto explica el tono oliváceo y ceroso de la piel de los condenados, que no corresponde a la encarnación de modelos vivos sanos, sino a la de cadáveres.
Un secreto de composición oculto en la sombra es la figura del demonio alado en el fondo a la derecha. Este demonio no está allí solo para decorar; muestra una sonrisa sardónica y cruza los brazos, imitando la pose de algunos críticos de arte contemporáneos de Bouguereau. Era una manera sutil del artista de vengarse de quienes juzgaban sus obras con desprecio, situándolos al nivel de espectadores maléficos del Infierno.
El cuadro contiene una referencia cifrada al combate de Jacob con el Ángel, pero invertida. Mientras que el combate bíblico simboliza una búsqueda de bendición y luz, el combate de Schicchi y Capocchio es una lucha de maldición y oscuridad. Bouguereau retomó la estructura del abrazo sagrado para transformarla en un abrazo profano y devorador, subrayando así la perversión de todos los valores humanos en el infierno.
Otro secreto concierne a la recepción de la obra. Aunque hoy es una de las más célebres del Museo de Orsay, fue inicialmente rechazada en el Salón por ser juzgada "demasiado asquerosa" por parte del jurado. Bouguereau, herido por esta crítica, se volcó después hacia temas más consensuados y dulces (sus famosas ninfas y pastoras), convirtiendo este cuadro en el único testigo de lo que podría haber sido su carrera si hubiera continuado por la vía del Romanticismo negro.
Finalmente, si se examina la zona entre los dos cuerpos, se nota que el espacio vacío dibuja casi una forma de corazón invertido. Este detalle macabro sugiere que en este mundo de odio, el amor ya no existe excepto en su forma más corrupta y violenta. Es una metáfora visual de la ausencia total de caridad en el círculo de los falsificadores, donde cada vínculo es una agresión.
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