Composizione VII

Composizione VII è spesso descritta come l'opera più complessa del primo Novecento. Kandinskij abbandona ogni riferimento figurativo diretto per esplorare il potere spirituale della forma pura. Per comprendere questa tela, bisogna immergersi nei temi che ossessionavano l'artista all'epoca: il Diluvio, la Resurrezione, il Giudizio Universale e il Giardino dell'Eden. Sebbene questi motivi siano diventati quasi illeggibili, costituiscono l'ossatura emotiva dell'opera. L'artista considerava la pittura come una forma di musica visiva. Qui, ogni colore corrisponde a una sonorità e ogni linea a una forza psicologica. L'analisi dell'esperto rivela che Kandinskij non cercava di dipingere un "oggetto", ma di provocare una "vibrazione interiore" nello spettatore. Questa tela segna il momento in cui l'arte occidentale vira definitivamente verso l'astrazione lirica, liberando il colore dalla sua funzione descrittiva. Il mito sottostante è quello della distruzione creatrice. Kandinskij credeva che il mondo materiale dovesse essere annientato per lasciare spazio al regno della spiritualità. Questa tela è la rappresentazione di quel cataclisma necessario. Le forme che sembrano scontrarsi sono in realtà forze cosmiche in mutazione. Lo spettatore è invitato non a guardare la tela, ma a "entrarvi", a lasciarsi sommergere da questo flusso di energia. Infine, l'opera testimonia la teoria della sinestesia dell'artista. Kandinskij "sentiva" i colori. Il rosso era per lui il suono di una tromba, il blu quello di un violoncello. Nella Composizione VII, siamo di fronte a un'orchestra completa. La densità degli strati pittorici e la sovrapposizione dei motivi creano una profondità spaziale che sfida la prospettiva tradizionale, aprendo una finestra su una dimensione puramente spirituale.