L'altalena

L'analisi approfondita di quest'opera rivela la complessità del Rococò al suo apice. Storicamente, il quadro risponde a una commissione precisa e scandalosa del barone de Saint-Julien, che desiderava essere rappresentato mentre ammirava le gambe della sua amante. Fragonard trasforma questa richiesta banale in un monumento della pittura atmosferica. Lo stile si distingue per un tocco vibrante e vaporoso, dove i contorni si dissolvono in una luce lattiginosa, tipica della maturità dell'artista. Il contesto mitologico è qui trasposto in un giardino "alla francese" diventato selvaggio. La presenza della statua de "L'Amour menaçant" di Falconet non è fortuita: trasforma il boschetto in un santuario di Eros dove le regole della decenza sono sospese. La tecnica di Fragonard, che utilizza velature successive per rendere la trasparenza dei tessuti e la cipria della pelle, partecipa a questa estetica della sensazione pura. Ogni pennellata nel fogliame sembra tradurre un'agitazione nervosa, quella del desiderio. Psicologicamente, l'opera gioca sul concetto di voyeurismo acconsentito. L'altalena, con il suo movimento di va e vieni, simboleggia l'incostanza amorosa e l'instabilità dei sentimenti. Il contrasto tra il marito, relegato nell'oscurità, e l'amante, inondato di luce, sottolinea la dinamica dell'inganno elegante propria della corte di Luigi XV. È un'immagine della sospensione: sospensione fisica della dama nell'aria e sospensione morale di una società che rifiuta di vedere la fine della sua era. Infine, la natura in quest'opera non è un semplice decoro; è un'estensione dei corpi. Gli alberi tormentati, i cui rami sembrano dita artigliate o onde che si infrangono, rafforzano l'aspetto drammatico e quasi erotico della scena. Fragonard riesce a catturare l'istante preciso dell'abbandono, dove il volo della scarpetta diventa una metafora della perdita della virtù, accettata con un sorriso radioso che sfida lo spettatore tanto quanto le leggi della gravità.