Postimpressionisme1889
De gele Christus
Paul Gauguin
Het oog van de conservator
"De centrale Christus is een directe reproductie van een 17e-eeuws gepolychromeerd houten kruisbeeld in de kapel van Trémalo, dat Gauguin vereenvoudigde om het in zijn cloisonnistische esthetiek te integreren."
Dit manifest van het symbolisme en synthetisme verplaatst de passie van Christus naar het 19e-eeuwse Bretonse platteland. Gauguin gebruikt een verzadigd en willekeurig geel om een rustieke en tijdloze spiritualiteit uit te drukken.
Analyse
De gele Christus, geschilderd in 1889 in Pont-Aven, markeert het hoogtepunt van Gauguins breuk met het impressionisme. De kunstenaar probeert niet langer lichtreflecties vast te leggen, maar een idee, een pure emotie te schilderen. De keuze voor geel voor de Christusfiguur is revolutionair: het is geen naturalistische kleur, maar een symbolische kleur die de oogst, de rijpe tarwe en, bij uitbreiding, de eeuwige cyclus van leven en dood vertegenwoordigt. Gauguin versmelt hier katholieke religieuze devotie met een vorm van heidens pantheïsme, waarbij de goddelijkheid rechtstreeks uit de Bretonse aarde lijkt voort te komen.
Het werk toont drie Bretonse vrouwen in traditionele kappen, knielend aan de voet van het kruis. Ze lijken geen getuige te zijn van een historische executie, maar van een innerlijk visioen dat voortkomt uit hun dagelijks geloof. Dit concept van het "visioen na de preek", dat Gauguin het jaar daarvoor al had verkend, bereikt hier een nieuwe sereniteit. Het lijden van Christus wordt behandeld met een soberheid die het iconische aspect versterkt; zijn gezicht is vredig, bijna afstandelijk, en roept een vorm van stoïcijnse gelatenheid op die typerend was voor de boerenstand van die tijd.
De historische context is die van een Bretagne dat door Gauguin werd gezien als een toevluchtsoord van primitivisme tegenover een corrupt industrieel Europa. Voor de kunstenaar is de Bretonse Christus een "wilde" Christus, ver verwijderd van het goud van stedelijke kathedralen. Dit schilderij is een pleidooi voor kunst die zijn wortels vindt in de volkskunst, de Épinal-prenten en de granieten calvaires die de wegen van Cornouaille sieren. Gauguin probeert de verloren eenheid tussen mens, natuur en het heilige terug te vinden door een vorm van radicale vereenvoudiging.
Technische analyse onthult het gebruik van cloisonnisme, een techniek waarbij kleurvlakken worden omringd door donkere, duidelijke contouren. Deze benadering heft de traditionele diepte en slagschaduwen op en transformeert het canvas in een modern glas-in-loodraam. Het perspectief is afgeplat, waardoor de verschillende vlakken van het landschap gedwongen worden naast elkaar te bestaan op een tweedimensionaal oppervlak. Het is deze tweedimensionaliteit die de abstracte kunst en het fauvisme van de 20e eeuw aankondigt en Gauguin tot een onmisbare voorloper van de moderniteit maakt.
Het meest fascinerende geheim ligt in de fysieke oorsprong van de Christus. In tegenstelling tot wat vaak wordt gedacht, heeft Gauguin dit silhouet niet zelf bedacht. Hij kopieerde een houten kruisbeeld uit de kapel van Trémalo, vlakbij Pont-Aven. Gauguin voerde echter een subtiele maar cruciale verandering door: in het origineel is Christus magerder en tragischer. Gauguin "vergeelde" hem zodat hij harmonieerde met de kleur van de korenvelden in de herfst, en verbond zo het goddelijke offer met de landbouwcyclus.
Een ander geheim betreft de man die op de achtergrond over het hek klimt. Vaak genegeerd door waarnemers, vertegenwoordigt dit personage de kunstenaar zelf, die het toneel ontvlucht of binnentreedt. Deze figuur introduceert een ambiguïteit: voelt Gauguin zich de heilige visie van de vrouwen onwaardig, of presenteert hij zichzelf als de boodschapper die de brug slaat tussen de moderne wereld en de archaïsche spiritualiteit? Dit detail transformeert de religieuze scène in een reflectie over de innerlijke ballingschap van de kunstenaar.
Er is ook een geheim verbonden aan het kleurenpalet. Chemische analyses hebben aangetoond dat Gauguin chroompigmenten gebruikte om dit schelle geel te verkrijgen. Destijds werden deze pigmenten bekritiseerd vanwege hun mogelijke instabiliteit, maar Gauguin koos ze bewust vanwege hun visuele geweld. Hij wilde dat het schilderij zijn kleur zou "uitschreeuwen" om de academische matheid van de Parijse Salons tegen te gaan.
Ten slotte weten weinig mensen dat De gele Christus een spiritueel tweeluik vormt met zijn kort daarna geschilderde Zelfportret met de gele Christus. In dit zelfportret verschijnt het beeld van Christus in spiegelbeeld achter de kunstenaar, als een spiegel van zijn eigen lijden. Gauguin identificeert zich expliciet met Christus en ziet zichzelf als een martelaar van de kunst, onbegrepen en vervolgd door de critici van zijn tijd. De kleur geel wordt dan het stigma van zijn eigen marginaliteit.
Word Premium.
OntgrendelenQuiz
Welke belangrijke wijziging heeft Gauguin, afgezien van de spirituele functie, aangebracht in de feitelijke sculpturale bron van de Christus van Trémalo voor dit doek?
Ontdekken
