Romantiek1819
Het vlot van de Medusa
Théodore Géricault
Het oog van de conservator
"Een massa stervende lichamen en mannen die op een geïmproviseerd vlot vechten om te overleven, reikend naar een minuscuul punt aan de horizon: het reddingsschip, de Argus."
Dit monumentale werk is een icoon van de romantiek en overstijgt een tragisch krantenbericht tot een universele allegorie van menselijk lijden en de incompetentie van de macht.
Analyse
Geschilderd tussen 1818 en 1819, markeert "Het vlot van de Medusa" de geboorte van de romantiek in de schilderkunst. De historische context is die van een groot politiek schandaal tijdens de Restauratie: de schipbreuk van het fregat Méduse in 1816, te wijten aan de incompetentie van een kapitein die door koninklijke gunst was benoemd. Achtergelaten op een geïmproviseerd vlot, drefen 147 mannen gedurende 13 dagen; slechts 15 overleefden nadat zij honger, waanzin en kannibalisme hadden gekend. Géricault grijpt deze hedendaagse tragedie aan om de codes van de historieschilderkunst te doorbreken, die tot dan toe alleen antieke of religieuze onderwerpen behandelde.
De mythologische en historische analyse onthult dat Géricault dit voorval transformeert in een "epos van de schipbreukelingen". Hij schildert niet het moment van de schipbreuk, maar dat van het valse alarm: het moment waarop de overlevenden de Argus aan de horizon zien voordat deze tijdelijk verdwijnt. Het is het hoogtepunt van de spanning tussen hoop en wanhoop. Het werk wordt een metafoor voor het Frankrijk van 1819, een land op drift na de val van het keizerrijk, zoekend naar zijn weg in de duisternis van politieke onzekerheid.
Technisch gezien is het werk revolutionair door zijn macabere realisme. Géricault bracht maanden door met het bestuderen van geamputeerde ledematen en lijken in zijn atelier om de kleur van rottend vlees met wetenschappelijke nauwkeurigheid weer te geven. Het palet is bewust donker, gedomineerd door oker, bruin en zwart, wat doet denken aan het tenebrisme van Caravaggio. Het gebruik van Jodenbitumen heeft het doek in de loop der tijd weliswaar doen verdonkeren, maar verleent een tragische diepte aan de schaduwen, waardoor de sculpturale dimensie van de lichamen wordt geaccentueerd.
De psychologie van het werk verkent het hele scala aan menselijke reacties op de dood. Men ziet de absolute wanhoop van de oude man die het lijk van zijn zoon vasthoudt, de uitputting van de stervenden aan de basis van het vlot, en de wanhopige energie van hen die zich oprichten om hun aanwezigheid kenbaar te maken. De zwarte man op de top van de menselijke piramide, Jean-Charles, symboliseert een sociale breuk: hij is degene die de ultieme hoop van de groep draagt. Géricault slaagt er hierin om geen helden te schilderen, maar de naakte menselijkheid, ontdaan van elke sociale waardigheid, tegenover de onverschillige onmetelijkheid van de oceaan.
De geheimen rond de creatie van dit werk getuigen van de bijna morbide obsessie van Géricault. Om een absolute authenticiteit te bereiken, liet hij zijn hoofd kaalscheren en sloot hij zich op in zijn atelier in de rue du Faubourg-du-Roule, waarbij hij elk bezoek weigerde. Hij liet een replica op ware grootte van het vlot bouwen door de overlevende timmerman van de Medusa, Lavillette. Nog verontrustender is dat hij menselijke lichaamsdelen uit nabijgelegen ziekenhuizen bewaarde om hun ontbinding voor zijn ogen te observeren, een praktijk die zijn zeldzame bezoekers deed huiveren.
Een recente wetenschappelijke analyse onthulde dat het personage van de "oude man met de zoon" in werkelijkheid een directe verwijzing is naar de mythe van Ugolino, veroordeeld tot het eten van zijn eigen kinderen. Voorbereidende schetsen tonen aan dat Géricault had overwogen om de scènes van kannibalisme expliciet te schilderen voordat hij koos voor een meer symbolische en universele benadering. Een ander geheim ligt in de modellen: de stervende man links, wiens lichaam naar het water glijdt, is niemand minder dan Eugène Delacroix, een goede vriend van Géricault, die zo onder de indruk was van het werk dat hij "als een waanzinnige" naar buiten rende.
Ten slotte bevat het schilderij een verborgen politieke kritiek. Door een zwarte man op de top van de compositie te plaatsen, legde Géricault, een overtuigd abolitionist, een moedige verklaring af tegen de slavernij. Destijds werd het werk ontvangen met een mengeling van technische bewondering en viscerale afschuw; koning Lodewijk XVIII zou zelf hebben gezegd: "Meneer Géricault, u heeft zojuist een schipbreuk geleden die dat voor u niet is", waarbij hij het artistieke succes benadrukte dat was voortgekomen uit de nationale tragedie.
Word Premium.
OntgrendelenQuiz
Wat proberen de overlevenden op het vlot in de verte te doen?
Ontdekken
