Arte abstrata1925
Amarelo-Vermelho-Azul
Wassily Kandinsky
O olhar do curador
"O quadro divide-se em dois polos energéticos: à esquerda, uma zona luminosa e geométrica dominada pelo amarelo; à direita, uma entidade escura e orgânica dominada pelo azul, ligadas por um centro vermelho mediador."
Verdadeira sinfonia visual, esta obra monumental de 1925 marca o apogeu do período Bauhaus de Kandinsky, orquestrando uma luta fascinante entre a clareza solar do amarelo e a profundidade mística do azul.
Análise
A obra Amarelo-Vermelho-Azul é muito mais do que uma simples exploração cromática; é a aplicação prática da teoria de Kandinsky sobre a "necessidade interior". Pintada durante os seus anos na Bauhaus, reflete uma busca de síntese entre o rigor geométrico e a emoção lírica. O amarelo, associado à terra e a uma energia centrífuga, opõe-se aqui ao azul, cor celestial e concêntrica que parece recuar perante o olho do espectador. O vermelho, por sua vez, atua como uma ponte estabilizadora, uma força de equilíbrio entre estes dois extremos.
A análise do especialista revela que Kandinsky trata aqui as formas como entidades vivas dotadas de sonoridades próprias. Para ele, o triângulo é indissociável do amarelo (energia aguda), o quadrado do vermelho (matéria estável) e o círculo do azul (paz espiritual). No entanto, nesta tela, ele quebra as suas próprias regras para explorar nuances mais complexas: linhas sinuosas pretas atravessam as zonas coloridas, criando um ritmo musical que evoca uma partitura abstrata. É uma tentativa de criar uma "imagem-mundo" onde cada elemento possui a sua própria autonomia, contribuindo ao mesmo tempo para a harmonia global.
Embora não exista um mito religioso no sentido clássico, o quadro encarna o mito da Criação através da abstração. Kandinsky considerava o artista como um profeta capaz de ver além da matéria. A luta entre a esquerda luminosa e a direita obscura pode ser lida como uma alegoria do combate entre o dia e a noite, ou entre a razão lúcida e o inconsciente criador. É uma cosmogonia moderna onde as cores são as divindades de um universo purificado da figuração.
A obra testemunha também a passagem de Kandinsky de uma abstração lírica e impulsiva para uma abstração mais calculada e teórica. Cada degradê de cor é minuciosamente trabalhado para induzir uma vibração espiritual específica. A presença de formas híbridas, nem totalmente geométricas nem totalmente orgânicas, mostra que o artista recusava fechar-se num sistema rígido, preferindo dar lugar à intuição poética dentro da estrutura.
Finalmente, esta pintura é um manifesto sobre a sinestesia. Kandinsky estava convencido de que se podiam "ouvir" as cores e "ver" os sons. Amarelo-Vermelho-Azul deve ser lido como uma grande orquestração, onde as linhas finas são violinos e as grandes massas azuis são violoncelos profundos. É uma experiência sensorial total que visa elevar a alma do espectador para uma contemplação metafísica da ordem oculta do universo.
Um dos maiores segredos deste quadro reside na sua estrutura oculta que imita o desenvolvimento de uma vida humana ou de um ciclo biológico. Estudos de raios X mostraram que Kandinsky não procedeu por improvisação total, mas por camadas sucessivas de transparências. Procurava criar uma profundidade que não fosse a da perspetiva tradicional, mas uma profundidade "vibratória". O segredo do seu brilho reside na utilização de aglutinantes específicos para que as cores não se misturem em cinzento, apesar da sua sobreposição.
Outro segredo refere-se à influência da teosofia nesta obra. Kandinsky estava profundamente marcado pelos escritos de Madame Blavatsky sobre a espiritualidade das cores. A zona azul à direita, com o seu grande círculo preto, poderia representar o "Terceiro Olho" ou uma porta para outra dimensão. Esta dimensão oculta era frequentemente escondida pelo artista atrás de um discurso técnico sobre a Bauhaus para não parecer demasiado místico aos olhos dos seus colegas racionais.
O quadro esconde também uma referência subtil à música de Arnold Schönberg, amigo próximo do pintor. Pode ver-se uma aplicação da "cromaturgia" musical, onde as dissonâncias gráficas (como as linhas pretas quebradas) servem para reforçar a unidade de conjunto, tal como as dissonâncias na música dodecafónica. É uma obra que se olha como se ouve uma sinfonia, com temas, variações e retornos de motivos.
O título em si foi sujeito a debate. Inicialmente, Kandinsky não queria dar nomes descritivos às suas obras, preferindo os números. Ao escolher "Amarelo-Vermelho-Azul", orientou deliberadamente a perceção para as cores primárias para mascarar a complexidade narrativa do quadro. É uma forma de proteção contra a interpretação literal: queria que o espectador se perdesse na sensação colorida antes de procurar compreender a forma.
Finalmente, o segredo da perenidade da obra reside na sua conservação excecional. Ao contrário de muitas pinturas dessa época que craquelaram, Kandinsky utilizou uma técnica próxima do fresco sobre tela, o que permite que a obra conserve ainda hoje uma luminosidade quase idêntica à de 1925. A força dos pigmentos, que permaneceram puros, continua a provocar aquele choque retiniano que o artista procurava para despertar a consciência espiritual.
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