Renascimento1519
A Ressurreição de Lázaro
Caravaggio
O olhar do curador
"Cristo ordena a Lázaro, cujo corpo possui uma musculatura heróica, que saia do túmulo, rodeado por uma multidão tomada pelo estupor e pela devoção."
Esta obra monumental representa a fusão definitiva do colorido veneziano e do desenho de Michelangelo, concebida para superar Rafael numa competição artística sem precedentes.
Análise
Pintada entre 1517 e 1519, "A Ressurreição de Lázaro" é o resultado de uma encomenda do cardeal Júlio de Médici para a catedral de Narbona. O contexto histórico é o de uma rivalidade exacerbada no seio da corte papal de Leão X. Sebastiano del Piombo, protegido de Michelangelo, foi encarregado de realizar este painel para rivalizar diretamente com "A Transfiguração" de Rafael. Esta obra encarna, portanto, um desafio político e estético maior do Renascimento: provar que a aliança da cor veneziana e da potência plástica romana podia destronar o génio de Urbino.
O contexto narrativo baseia-se no Evangelho segundo João (11:1-44). Cristo ressuscita Lázaro, irmão de Marta e Maria, após quatro dias de morto. Nesta interpretação, Sebastiano sublinha a dimensão física do milagre. Vê-se Lázaro libertando-se das suas ligaduras, um homem devolvido à vida mas que ainda carrega as marcas da letargia fúnebre. O mito cristão é aqui tratado com uma intensidade dramática nova, onde o sagrado se manifesta através de uma força corporal quase escultórica, herdada diretamente da influência de Buonarroti sobre Sebastiano.
Tecnicamente, a obra é uma proeza de gestão cromática. Sebastiano, formado em Veneza, utiliza veladuras profundas e tonalidades ricas para saturar o espaço. A figura de Cristo é de uma nobreza majestosa, enquanto as figuras femininas de Maria e Marta trazem uma fluidez emocional. A utilização de um suporte de madeira de grandes dimensões permite uma escala monumental, onde os contrastes de luz não servem apenas para o relevo, mas para a expressão do sobrenatural. A paisagem ao fundo, de uma suavidade veneziana, contrasta com a tensão muscular do primeiro plano.
Psicologicamente, a tela explora a diversidade das reações humanas perante o impossível. Sebastiano retrata uma gama que vai da fé ardente das irmãs de Lázaro ao estupor dos apóstolos e ao ceticismo dos espetadores judeus. O próprio Lázaro parece atravessar um estado de confusão existencial, com o seu olhar procurando Cristo num reconhecimento mudo. A obra questiona a fronteira entre a morte e a vida, a carne e o espírito, criando uma atmosfera de tensão suspensa que já anuncia o Maneirismo pela sua complexidade emocional.
Um segredo maior desta obra reside na implicação direta de Michelangelo. As análises de raios X e os desenhos preparatórios conservados confirmam que Buonarroti forneceu a Sebastiano os esboços precisos para a figura de Lázaro e alguns apóstolos. Michelangelo queria assim humilhar Rafael por procuração. Estudos recentes mostraram que os "pentimenti" de Sebastiano na figura central visavam acentuar a torção do corpo, um elemento tipicamente michelangelesco chamado "figura serpentinata", para dar mais vigor à ressurreição.
Outro mistério diz respeito à espetacular restauração efetuada no século XIX, quando a obra foi transferida do seu painel de madeira original para uma tela para a preservar do apodrecimento. Este processo arriscado revelou detalhes da camada pictórica até então invisíveis, nomeadamente a finura dos detalhes atmosféricos no céu. Os historiadores também notaram que Sebastiano utilizou deliberadamente pigmentos mais dispendiosos, como o ultramar natural, para garantir que a sua tela captasse a luz melhor do que a de Rafael, jogando com o brilho material para vencer.
A obra contém também referências políticas subtis à família Médici. A escolha do tema não é apenas religiosa; simboliza o renascimento e a legitimidade da linhagem medicea após o seu regresso ao poder. Alguns rostos entre a multidão seriam retratos de personalidades da época, fazendo desta cena bíblica um espelho da corte romana do século XVI. O diálogo silencioso entre as mãos de Cristo e de Lázaro é uma citação quase direta, embora reinventada, da Criação de Adão no teto da Sistina.
Finalmente, uma análise científica recente detetou vestígios de impressões digitais na tinta fresca nas bordas da tela, sugerindo que Sebastiano trabalhava a matéria com as mãos para suavizar as transições de cores, uma técnica veneziana chamada "sfregazzi". Isto prova que, apesar da influência massiva do desenho romano, a alma da obra permanece profundamente ancorada na sensorialidade de Veneza. O quadro, hoje joia da National Gallery de Londres, carrega assim as marcas físicas do seu criador e do seu ilustre mentor.
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