Rococó1719
Pierrot
Antoine Watteau
O olhar do curador
"Observe o ajuste desajeitado do fato de cetim branco, cujas mangas curtas e calças largas acentuam a vulnerabilidade e o isolamento místico da figura central."
A imagem mais enigmática da Commedia dell’arte, onde Pierrot permanece imóvel, como petrificado entre o riso e a tragédia. Um ícone do Rococó que anuncia a melancolia moderna.
Análise
Pintado por volta de 1718-1719, o Pierrot de Watteau, durante muito tempo conhecido como Gilles, é uma obra monumental pela sua presença psicológica. Ao contrário das habituais Fêtes Galantes do artista, esta personagem impõe-se de corpo inteiro, ocupando quase todo o espaço vertical. Watteau inspira-se nos tipos da Commedia dell’arte, uma forma de teatro popular italiano que vivia então um renascimento em Paris após ter sido proibida por Luís XIV. Pierrot é o criado ingénuo, aquele que sofre as burlas dos seus companheiros, mas aqui transcende o seu papel para se tornar uma figura de dignidade universal e silenciosa.
O contraste é marcante entre a figura central e o grupo em segundo plano. Em baixo, num ângulo baixo audacioso, vislumbram-se as outras personagens da trupe: o Doutor no seu burro, Leandro e Isabel. Estão animados por um movimento alegre, quase conspiratório, que reforça a imobilidade absoluta de Pierrot. Este último não participa na ação; está exposto como uma vítima ou um santo laico. Esta rutura narrativa coloca o espetador numa posição de desconforto, forçando-o a enfrentar o olhar direto e ao mesmo tempo ausente do ator, cuja expressão permanece indecifrável entre o espanto e a resignação.
No plano técnico, Watteau utiliza uma paleta de brancos de uma riqueza extraordinária. O fato não é uma cor sólida; é um campo de experimentação para reflexos nacarados, sombras acinzentadas e toques cremosos de empaste. Esta virtuosidade cromática confere à vestimenta uma dimensão escultural que contrasta com a fragilidade do rosto. A paisagem, dominada por uma herma (uma estátua de pedra que representa um sátiro), traz um toque de selvajaria antiga e lubricidade que se opõe à pureza aparente da personagem principal, criando um diálogo entre a ordem civilizada do teatro e a natureza bruta.
Historicamente, esta obra tem sido interpretada como um testamento espiritual ou uma alegoria do próprio artista. Watteau, já minado pela tuberculose na altura da realização da tela, teria projetado a sua própria solidão nesta figura de saltimbanco. O quadro marca uma transição importante na história da arte: afasta-se do artifício barroco para tocar uma verdade humana crua. Pierrot torna-se assim o antepassado de todos os excluídos e dos artistas incompreendidos dos séculos seguintes, de Baudelaire a Picasso.
Um dos maiores segredos do quadro reside no seu destino original. Acreditou-se durante muito tempo que se tratava de uma tabuleta para um café gerido por um antigo ator, Belloni, que interpretava o papel de Pierrot. Esta hipótese explica o formato vertical imponente e a vista de baixo, concebida para ser vista da rua. No entanto, a qualidade da execução sugere que Watteau ultrapassou largamente a simples encomenda comercial para torná-la uma obra de devoção estética pessoal, transformando um anúncio de teatro numa ícone da melancolia humana.
Uma descoberta surpreendente diz respeito à identidade da personagem escondida atrás do burro. Análises de raios-X revelam que Watteau modificou várias vezes a posição do animal e das personagens secundárias. O próprio burro, símbolo da teimosia e da estupidez popular, parece olhar-nos com uma humanidade perturbadora, quase como se partilhasse a condição de Pierrot. Alguns historiadores veem nisso uma crítica velada à direção da Academia, representando o burro a cegueira dos críticos da época perante o génio inovador de Watteau.
O segredo da "mão" de Watteau esconde-se na representação do cetim. Para obter esta textura vibrante, utilizava misturas de óleos e resinas muito específicas, aplicando a cor com pinceladas cruzadas. O segredo desta luz que parece emanar do próprio fato provém da aplicação de uma subcamada rosa pálido, invisível a olho nu, mas que aquece os brancos frios por transparência. É esta técnica que dá à figura o seu aspeto fantasmagórico e vibrante, uma "aura" que os copistas nunca conseguiram igualar.
Finalmente, existe um mistério iconográfico em torno do sátiro ao fundo à direita. Esta estátua de pedra, cujo sorriso é irónico, parece troçar da impotência de Pierrot. O segredo reside no facto de este sátiro estar posicionado na mesma linha horizontal que o rosto do herói, criando uma ligação invisível entre a luxúria eterna e a castidade melancólica do palhaço. Esta dualidade sugere que Pierrot é objeto de um desejo insatisfeito ou a vítima de um mundo demasiado brutal para a sua sensibilidade.
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