The Bower Meadow

The Bower Meadow stellt den Höhepunkt von Rossettis Spätwerk dar, in dem der strenge Naturalismus der frühen Tage der Präraffaelitischen Bruderschaft einem sinnlichen und verschwommenen Symbolismus weicht. Das Werk zeigt zwei Frauen im Vordergrund, die Instrumente spielen, während zwei weitere im Hintergrund tanzen. Obwohl es keinen spezifischen Mythos gibt, der mit dieser Szene verbunden ist, evoziert sie das Konzept der "Musica Sacra" und der mittelalterlichen Liebesgärten, wiederkehrende Themen beim Künstler. Der Übergang zwischen dem Landschaftshintergrund und den Figuren ist frappierend und zeugt von zwei Epochen im Leben des Malers, die auf derselben Leinwand zusammenfinden. Die ikonographische Analyse offenbart eine Feier idealisierter weiblicher Schönheit, charakteristisch für die Rossetti-Muse jener Zeit, Alexa Wilding. Die Züge sind schwerer, die Lippen voller und die Hälse länger als in seinen früheren Werken. Diese Figuren sind keine einfachen Musikerinnen; sie sind die Wächterinnen eines verlorenen Paradieses, ein künstliches Arkadien, in dem die Natur nur eine Kulisse für pure Emotion ist. Die Instrumente, die sie handhaben, symbolisieren universelle Harmonie und lyrische Poesie. Die Spannung zwischen dem Realismus der Landschaft, die unter dem Einfluss von Millais und Hunt entstand, und dem Manierismus der Figuren schafft eine Atmosphäre des Klartraums. Die Bäume und das Laub besitzen eine botanische Präzision, die aus der Doktrin "Go to Nature" stammt, während die Frauen einer anderen psychologischen Dimension anzugehören scheinen. Diese bewusste Dissonanz verstärkt das Gefühl der Irrealität und Zeitlosigkeit. Der Betrachter ist eingeladen, eher eine innere Vision als eine gewöhnliche ländliche Szene zu betrachten. Der Einsatz von Farben ist hier meisterhaft, mit tiefen Grüntönen, die mit warmen Fleischtönen und schimmernden Stoffen kontrastieren. Rossetti nutzt die Farbe, um zwei Malsitzungen zu vereinen, die zwanzig Jahre auseinanderliegen. Die Rot- und Ochertöne in den Kleidern korrespondieren mit den herbstlichen Farbtönen des Hintergrunds und schaffen eine chromatische Symphonie. Es ist ein Übergangswerk, das die Aesthetic-Bewegung ankündigt, in der "Schönheit um der Schönheit willen" zur einzigen absoluten Regel wird. Zusammenfassend ist diese Leinwand eine Meditation über das Fortbestehen der Kunst angesichts der Zeit. Indem er zu einer Jugendstudie zurückkehrt, um ihr seine schöpferische Reife einzuhauchen, schlägt Rossetti eine Brücke zwischen seiner Vergangenheit und seiner Gegenwart. Das Werk bleibt eines der faszinierendsten Beispiele dafür, wie ein Künstler seine eigenen Emotionen und Techniken recyceln kann, um eine völlig neue Vision zu schaffen, die in Nostalgie und Ästhetizismus verankert ist.