Symbolismus1903
The Soul of the Rose
John William Waterhouse
Das Auge des Kurators
"Die weibliche Figur, vertieft in den Duft einer Rose, symbolisiert den Übergang zwischen dem späten präraffaelitischen Naturalismus und einem intensiven psychologischen Symbolismus."
Eine sinnliche und melancholische Verkörperung weiblichen Begehrens, in der der Geruchssinn zum Vektor einer tiefen poetischen Emotion wird, inspiriert von Alfred Tennyson.
Analyse
The Soul of the Rose ist ein Hauptwerk aus Waterhouses Reifezeit, inspiriert von den Versen aus Lord Alfred Tennysons Gedicht "Maud": "And the soul of the rose went into my blood". Dieses Gemälde begnügt sich nicht damit, ein Gedicht zu illustrieren; es fängt das Wesen der sensorischen Erfahrung selbst ein. Die Frau in einem prächtig bestickten Gewand lehnt an einer warmen Backsteinmauer und schließt die Augen, um sich ganz dem Duft der Blume hinzugeben. Diese einfache Handlung wird zu einer Erkundung weiblicher Innerlichkeit und des affektiven Gedächtnisses, ein Thema, das den symbolistischen Malern der edwardianischen Ära sehr am Herzen lag.
Die Erklärung von Waterhouses persönlichem "Mythos" liegt hier in der Figur der "Frau im Garten", einem geschlossenen Raum (hortus conclusus), der sowohl häusliche Sicherheit als auch das Gefängnis der Wünsche darstellt. Im Gegensatz zu seinen tragischeren Werken wie "The Lady of Shalott" scheint diese Figur in der olfaktorischen Empfindung eine vorübergehende Befreiung zu finden. Die Rose, die traditionell mit Aphrodite und flüchtiger Leidenschaft verbunden wird, dient hier als Brücke zwischen der physischen und der spirituellen Welt. Der Betrachter ist eingeladen, sich den Duft vorzustellen, was eine visuelle Erfahrung in eine synästhetische verwandelt.
Historisch gesehen gehört dieses Werk in eine Zeit, in der sich Waterhouse von rein mythologischen Themen entfernt, um subtilere psychologische Zustände zu erforschen. Das rötliche Haar und die Blässe der Haut sind direkte Hommagen an das präraffaelitische Schönheitsideal, doch die Behandlung von Licht und Textur zeigt einen diskreten impressionistischen Einfluss. Die Backsteinmauer mit ihren Terrakotta- und Ockertönen bildet einen thermischen Kontrast zur Kühle des blauen Kleides und der Zartheit der rosa Blütenblätter.
Das Werk befasst sich auch mit dem Konzept der "Blüte des Lebens". Die Frau wird in der Fülle ihrer Jugend dargestellt, doch der Rahmen des geschlossenen Gartens und der Akt des Einatmens einer geschnittenen oder verblühenden Blume deuten auf die Flüchtigkeit der Zeit hin (tempus fugit). Es ist eine stille Meditation über die verblühende Schönheit und das Fortbestehen der Erinnerung. Die Position ihrer Hand an der Mauer deutet auf eine physische Spannung hin, ein Verlangen zu berühren und zu fühlen, das über den bloßen Rahmen des Geruchssinns hinausgeht.
Schließlich gelingt es Waterhouse, eine Atmosphäre geteilter Einsamkeit zu schaffen. Obwohl die Frau allein ist, deutet die Anwesenheit der Rose auf einen unsichtbaren Dialog mit einem abwesenden Geliebten oder einer verlorenen Vergangenheit hin. Die Kraft des Werkes liegt in der Sparsamkeit der Mittel: Eine Geste, ein geschlossener Blick, eine Blume genügen, um eine vollständige Erzählung über Nostalgie und das Streben der Seele nach einem poetischen Anderswo aufzubauen.
Eines der faszinierendsten Geheimnisse dieses Gemäldes liegt in der Identität des Modells. Obwohl oft als Muriel Foster identifiziert, deuten neuere Forschungen darauf hin, dass Waterhouse die Züge mehrerer seiner Lieblingsmodelle verschmolz, um eine "zusammengesetzte Schönheit" zu schaffen, die perfekt seinem ästhetischen Ideal entsprach. Diese Praxis der systematischen Idealisierung ermöglichte es dem Künstler, eine konstante visuelle Signatur beizubehalten, während er die narrativen Themen variierte.
Ein weniger bekanntes technisches Geheimnis betrifft die Textur der Backsteinmauer. Waterhouse hat die Ziegel nicht einfach nur gemalt; er verwendete eine spezifische Impasto-Technik, um die Porosität und Wärme des sonnengewärmten Steins zu simulieren. Röntgenanalysen haben ergeben, dass der Künstler die Position der Hand der Frau mehrmals überarbeitet hat. Ursprünglich war die Hand lockerer, doch er entschied sich dafür, sie leicht gegen die Wand zu krallen, um der Szene eine Dimension von zurückgehaltenem Verlangen und psychologischer Spannung zu verleihen.
Der dargestellte Garten ist kein imaginärer Ort, sondern direkt von italienischen Villengärten inspiriert, die Waterhouse besucht hatte. Der Künstler wurde in Rom geboren und bewahrte zeitlebens eine Faszination für das mediterrane Licht und die lateinische Architektur. Diese Backsteinmauer ist nicht typisch englisch; sie erinnert eher an die Struktur eines italienischen Renaissancegartens und schafft eine bewusste geografische Verschiebung, die den zeitlosen und universellen Aspekt der Szene verstärkt.
Es gibt auch ein Geheimnis, das mit dem Kleid verbunden ist. Das komplexe Muster des blauen Gewandes ist von Textilien aus der byzantinischen und mittelalterlichen Zeit inspiriert, die Waterhouse mit Leidenschaft studierte. Diese Kleidungswahl ist nicht nur ästhetisch; sie dient dazu, die Figur in einer mythisierten Vergangenheit zu verankern und sie aus der Realität des Englands von 1903 herauszuheben, um sie zu einer zeitlosen Gestalt zu machen. Die Farbe Blau, traditionell kostbar und edel, unterstreicht die Würde der dargestellten Emotion.
Schließlich verbirgt die Rose selbst eine verborgene Symbolik. Damals wurden bestimmte Rosensorten spezifisch mit kodierten Botschaften (der Sprache der Blumen) in Verbindung gebracht. Die Rose, an der die Frau riecht, ist eine "Damaszener-Rose", die für ihren betörenden Duft und ihre Zerbrechlichkeit bekannt ist. Durch die Wahl dieser Sorte unterstreicht Waterhouse, dass die "Seele" der Rose genau das ist, was ihre physische Schönheit überdauert – eine Metapher für die Kunst selbst, die Modelle und Schöpfer überlebt.
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Welche radikale ästhetische Absicht verfolgt Waterhouse in "The Soul of the Rose", die über die bloße Illustration von Tennysons Gedicht "Maud" hinausgeht?
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